Inauguramos este año, este curso,
una serie de programas de radio bajo el título de comunicación,
lenguaje y artes en Italia es una idea que surge del profesor
Salvatore, Bartolo, coordinador del área de Filología Italiana
y del programa de doctorado internacional en Filología;
está destinada a estudiantes de todas las nacionalidades
que por diversas razones ya tengan referencias,
culturales de Italia,
y deseen iniciarse en conocer las nuevas tendencias del lenguaje
literario cinematográfico musical, televisivo y enogastronómico
e italianos un buen planteamiento.
Este primer programa se titula pintura de pintura, 20.
En la quincuagésima bienal, de arte de Venecia,
un excursus en la pintura italiana contemporánea;
para ello tenemos con nosotros a Martínez López,
profesora colaboradora del área de italiano e investigadora
e información del programa de doctorado internacional
en Filología,
un saludo Martínez bienvenida a este programa
y muchas gracias por acudir a esta cita gracias a a tres medidas
Buenos días.
La Bienal de Venecia es una exposición internacional
de arte y arquitectura entre las más importantes del mundo.
No descubro nada.
Cada año convoca centenares de artistas y arquitectos
a exponer en sus salas,
así como también acoger a millares de visitantes, asesor,
de saber cuáles son las tendencias más actuales y deseosos
de dejarse maravillas, quizás escandalizar en algún caso
Martín por obras de arte que cada vez más ponen interoperativos
en lugar de dar soluciones.
Hablamos de la exposición de arte.
Beneficia sí por supuesto.
La primera exposición internacional de arte de Venecia
tuvo lugar hace ya mucho tiempo, en 1.845;
en el 32 añadió a sus eventos la famosísima ya
en el mundo Exposición Internacional del cine y desde los años 80
cada dos años pues dedica espacio.
Sin embargo, a la arquitectura es una manifestación artística
que ya entro en la memoria colectiva claramente que puede mencionar.
Entre los artistas que invito a Clinton Picasso Miró
gira entre otras entonces grandísimos nombres
actualmente mucho de eso de ellos muy votados
en las subastas de arte contemporáneo
fue un evento que siempre supo estar a un paso delante de la sociedad,
discutiendo a la manera de hacer y de entender el arte.
Siempre se presta a contestar una sociedad conservadora,
sobre todo en los primerísimos;
años de su experiencia; proponen de artistas que con su manera de ser
y de crear provocaban odio o admiración.
En la misma medida se puede recordar la edición del 1920 2,
cuando la participación de Modigliani escandalizó,
la crítica causa de su estilo de vida bohemia
y las chivo algo que ahora pues nos hace sonreír,
pero pues entonces la moral de la época
con toda atención y gravedad pero sí severa,
o la del 2011, en la que el artista muy polémico, Mauricio,
que apelan llena de centenares de palomas,
dice caras el patrimoni, Italia, el espacio destinado
a los artistas italianos,
los animalistas no lo soportaron y la acción artística carga
días y días de manifestaciones, artículos bueno un escándalo,
digamos a nivel global.
La libertad que caracteriza la dirección de la manifestación
no fue siempre posible,
como podemos imaginar, según nuestra historia,
en las áreas de régimen fascista.
De hecho, la gestión paso en la mano de los del Estado.
Ejercita un control estricto sobre el material que se exponía,
yendo claramente en dirección contraria,
las que siempre fueron las aspiraciones
de la Bienal de Venecia, libertad, novedad, internacionalidad,
no tenemos que olvidar tampoco donde se desarrolla
toda la exposición en un escenario maravilloso
entre los majestuosos, jardines, napoleónicos de Venecia
y el antiguo arsenal de la ciudad una construcción imponente,
con muchísimo espacio para instalaciones,
peer formas y puesta en escena de cualquier tipo,
si hoy nos gustaría profundizar en una edición en especial
de la Bienal de Venecia,
como estamos fomentando la del año 2003,
en concreto en la que recurría la quincuagésima edición bienal
de Venecia, con el sugerente título de sueños; conflictos,
la dictadura del espectador.
En aquel entonces se quiso crear también una exposición colectiva
que recorriera la pintura mundial.
Desde 1964 en los albores del arte de Rausell
ver hasta el artista japonés, una casi mura
camina con su obra del 2003, una exposición para recordar sin duda
Martínez la verdad,
y fue realmente un evento en el mundo especializado y no ha especializado.
La exposición tuvo lugar
en el prestigioso contexto en el museo,
ahorrar en plazas a Marco se trató de una retrospectiva
con un orden estrictamente cronológico,
y disciplinando desde el pasado al presente,
un viaje que se desarrolla en el tiempo
y también en el espacio,
presentando obras que desde el 64 han presenciado la Bienal,
pero que también ha faltado, porque rechazadas entonces
un recorrido de presencias y ausencias.
Aquí elegimos analizar algunas obras de artistas italianos
que han participado a esta histórico exposición
y que han marcado la historia del arte contemporáneo
en grandes nombres; como luchó Fontana,
era tú tu uso o lleno de dominio.
El arte contemporáneo italiano es.
Un recorrido hecho de pocos ismos quiero decir como movimientos
y muchas individualidades,
experiencias personales y solitarias,
que consiguieron marcar una senda,
ya sea para otros artistas o para la crítica,
como es el caso de luchó Fontana, quien ha nombrado si luchó Fontana,
es una de las principales artistas italianos contemporáneos.
Acabe 60 años de su manifesto, blanco, que fue
un poco su declaración de intenciones;
el título es, imparte español porque el artista
había muchísimos años en Buenos Aires participado con su obra,
este exposición, su cuadro se llama contactos parciales
con muchísima de sus obras, estaba colgada al lado
de una obra de Rausell en ver el arte de Fontana;
nace como ya hemos dicho, con manifesto blanco,
un panfleto publicado en el 46, donde junto con otras artistas,
a pesar de su escasa voluntad de crear un grupo artístico,
determinan los criterios para dar vida
a la coherencia del espacio holismo, espacial, ismo en español
y codificaban la obra de arte como un continuum entre tela
y espacio.
En sus palabras, la figura parece que abandonen el plano
y sigan en el espacio.
Manifestó blanco a determinado la manera de hacer arte de Fontán,
aunar nuevo revolucionario que conscientemente ignoraba todo
lo que se había hecho hasta entonces,
establecía los principios de lo que será llamado arte conceptual,
un arte que se aleja completamente de la comprensión formal
para dejarse guiar por los complejos conceptos que,
si quieren expresar según la corriente del espacio
-holismo luchó Fontana, trata la tela,
no como un soporte sobre el cual trazar forma
sino como un objeto que hay que cortar y herir agujerear
hasta volver la superficie normalmente bidimensional;
una materia tridimensional,
que permanecen y todas formas pela consiguió de alguna forma.
Atrapar a los dos conceptos bidimensional y tridimensional,
un único acto artístico.
La obra de arte se conforme entonces.
Es como unidad de tiempo espacio,
expresar a través de la profundidad de los costes,
de los, de los agujeros en la tela y por los colores puros compactos
y naturales.
Los cortes, en la tela tan perfectos tan limpio
son mantenidos, tales gracias a un complicado sistema artesanal
de vendajes negros endurecidos por pegamento que al mismo tiempo
unen y distancia en los bordes de la tela,
el gesto se eterniza.
De alguna forma, el corte nunca se cerrará
y el espectador, curioso que se acercara a la obra,
para ver lo que hay, más allá del coste,
se topará con el negro, más puro el color del vacío
de la misma.
El profundidad del espacio infinito la mayor parte de sus obras,
conservan el mismo título conceptos conceptos espaciales ects
porque el artista no interesaba subrayar mucho más
que el concepto letras de la idea,
un espacio en vilo; un espera eterna,
sin solución la definición ancestral de las coordenadas Espacio Tiempo.
Otro de los creadores destacables Alberto
y fue otro importante artista, presente en esta exposición
nacido creo, un pueblo de la realidad central,
se dio a conocer en todo el mundo.
Por suerte material que reflexiona sobre la naturaleza
de los elementos adelantado ya si Alberto Mur,
y nació efectivamente en un pueblo pequeño,
desde la Italia central, las titánicas,
tráelo cerca de, pero mucha en un principio,
como pasa muchos artistas contemporáneos,
conceptuales y abstractos
experimentado con el arte figurativos un punto de partida sólido,
una asegurarse tener madera de artista muy pronto.
Pero ya desde su segunda exposición, personal con el título
Bianco que atrae a mí empezó a introducir su faceta más mater.
Ica jugando con el contraste del blanco del negro,
de rojo, en algunos casos,
introduciendo un amarillo sol que consentida.
Armonizar todo en un discurso cromático, coherente,
que pere seguía siendo rompedor por todo el día.
España de los años 50 introduce varios materiales,
como el tejido y de sacó el yeso la madera haciendo de la tela
una suerte de campo de batalla,
como me gusta decir, donde transformar cortar quemar,
moldear los materiales según la capacidad de cada uno
de convertirse en algo diferente.
Por eso la madera se vuelve negra;
con el fuego, el plástico, se agujerea y se rompe el jazz,
así que se cuartean en esa investigación incansable
de cómo el acto humano puede cambiar los elementos,
está el facinho y el secreto del arte de Alberto Burra.
La obra de burro y presentada en la edición de la Bienal de Venecia
que estamos analizando tiene el título de grande.
Blanco, Plástica y es el año del año 1966.
En este caso el fuego es utilizado en su forma
forma más extrema para con torcer y lacerar este material tan utilizado
en nuestra vida cotidiana y que es
cuando la capacidad transformativa tan radical,
después de la mitad de los años 60 el artistas,
concretiza en los viajes y plástica, blancos plástico,
una síntesis entre combustión y creación.
El fruto de esta mediación es la introducción en sus obras
de sutiles voladuras de color que intentan casi
encontrar una armonía entre la tela
y la materia hasta crear lentos y desolados paisajes,
horizontes sin punto de fuga en los que la materia se hace forma,
como en otras obras del maestro con mi crediticia ritmo y textura,
gracias a la grieta, se le barnicen colores puros,
las obras que forman la colección de los Tomás,
su nombre de las grietas, que espesos,
estratos de barniz y de color forman,
al se case trazando redes de líneas imprevisibles y sorprendentes.
Si una obra de este autor realmente famosa,
fue su gran decreto, construido acerca de Trapani Sicilia,
a partir del año 1983 hasta 1989.
Durante seis años de producción.
Sí fue una obra realmente colosal.
Se trata de una obra de arte del paisaje
o, como se dice en inglés,
la arte, que es una forma de arte contemporáneo
que se lleva actualmente mucho y que podemos encontrar
en muchísimos países del mundo en la cual el artista
quiso multiplicar de forma exponencial
los conceptos que se repetían hasta el momento en sus telas,
se hizo justo sobre lo que quedaba de la antigua ciudad.
Yo me lina destruida por el terremoto.
En 1968, completamente instruida no quedaba nada
o casi tratada un verdadero homenaje a la ciudad.
Realmente, dado que consiste en placas de hormigón
que repetían exactamente a medida real.
El mapa de la ciudad, con sus calles y sus plazas la casualidad,
quiso que pareciera exactamente como uno de los cuadros
que solía crear el artista,
un reto en toda regla, claro, casi blanco,
pero desarrollando una dimensión muchísimo más grande.
Se quedan completa en 1989 se terminó tan solo en el 2015,
en ocasión del centenario del nacimiento de Alberto Burró
y cuando quisieron homenajear de alguna forma el artista.
Hablando de Blanco, Martínez, como ya se ha aludido,
no se puede dejar de mencionar la obra de castelán
casi contemporáneo, de albert, ocurrir y presente,
también en esta exposición colectiva, con su superficie blanca
no abordamos ahora este tema, sí claro,
porque es un artista muy importante que sigue teniendo muchísimo éxito,
porque es un gusto, además, muy de nuestros días,
la obra de castelán,
en este caso desde 1970 trabaja así como lo han hecho los cuadros
de luchó Fontana, el concepto de espacio,
el artista prefiere el blanco como expresión máxima de su voluntad
de redefinir el concepto de tela.
Utiliza pequeños clavos
puesta diferentes distancia que hinchados en entrambas,
tienden o relajan el tejido creando ritmos de salientes
y hundimientos el ojo del espectador no puede dejar de desplazar.
Darse por toda la superficie siguiéndola
un hueco que se repiten jugando con el concepto en negativo
y de positivo, de presencia y de ausencia,
también en Castel La Nikos, y comen Fontana.
La capacidad artesanal interviene para realizar el arte
para emular el infinito en un espacio sin marco
que se deja de escribir sólo por la luz casi como fueron objeto
y que a la vez se queda absolutamente cuadro.
En otras ocasiones.
El artista eligió a utilizar algún color siempre sabido compacto
como el azul eléctrico o rojo más puro,
pero por toda su carrera siempre volvió al blanco
y hubo además una elección expositiva muy interesante y significativa
con relación al cuadro castelán ni porque justo a su lado
en la exposición fue colgado un cuadro de redacto out,
uso que era al contrario de la obra que acabamos de analizar,
que acabas de comentar Martina,
una explosión de colores; contrastes en una recordada exposición
entonces sí si se trata,
de hecho del cuadro la serie del en autobús tu uso,
un artista que trabajaba de forma muy diferente,
de castelán este cuadro de 1974, la vocería,
es el nombre del dialectal, del mercado tradicional de Palermo,
que se vuelve protagonista de esta maravillosa obra
de por el mismo autor.
La tela fue definida como un acto de gratitud a su ciudad,
representando el milagro cotidiano y ritual del mercado de Palermo,
un poco italiano y un poco árabe.
La descripción figura activa no mantiene una única perspectiva,
sino que una diferente punto de vista creando hasta alguna incongruencia
alinear y no existe.
Primer plano o imagen de fondo.
Todo está definido con el mismo cuidado,
con la misma mirada curiosa
y precisa casi como serie dibujo infantil.
Se tratara el mismo artista lo confirma cuando cuenta
que este cuadro se crea a partir de varias fotos,
que eso se superpusiera sin mucho cuidado.
Para conseguir devolver la misma atmósfera desordenada
y alega del mercado en la obra,
una chica de espalda camina en el medio del cuadro guiando.
La mirada del espectador que se pueda.
Si adentrar entre los bancos de carnes, verduras y pescado,
unas bombillas encendidas reflejan un sutil, a lo alrededor,
iluminando los colores vibrantes de los alimentos
y las expresiones resueltas de los personajes.
Seguramente el diálogo con la ópera de castelán
es inevitable el blanco puro,
que mira a un torbellino de colores dinámicos;
de hecho, los comisarios de las exposiciones
tienen en este elección de cercanías significativas la manera
de sacar a relucir su propio y su punto de vista crítico
es un dato importante desde luego interesante.
Bien, hasta ahora Martina hemos hablado.
Hemos tratado de varios artistas revolucionarios.
Seguramente, pero no hasta el punto de escandalizar.
Quiero subrayar escandalizar a la opinión pública,
así como pasó con muchas obras de lleno de Domingo,
también presente en esta retrospectiva con una tela
un retrato lo dejó en suspenso, pero cuenta.
Nos cuentan martínez.
Si la obra El dómine Chick,
que se expuso en esta,
en esta ocasión, era una obra suya, sin saquito lo
pero tenemos que decir que muchas obras de lleno
en el 2016 llaman se titula del 1993 podría ser una de las obras,
que el mismo artista llama invisibles,
porque es necesario probar varios punto de vista,
varios ángulos, intentar rehuir de los reflejos,
de la luz natural antes de divisar.
Por fin es sujeto del cuadro un perfil humano.
Sutil sumergida en el azud más profundo y compacto,
una línea ligera
que parecen pues dibujada la expresión de rostros.
Dramática bcin nada y, al mismo tiempo vital
y serena casi una reflexión sobre las preguntas más irresolubles
de la vida.
Es un cuadro que sólo se deja ver en vivo.
No valen.
O foto, de hecho,
en la misma web hay poquísimas fotos,
de este cuadro y toda de pésima calidad
no se deja imitar, o divulgar,
quedando sí fiel así a las palabras de su creador.
Cuando él mismo decía, en el mundo existen,
y siempre han existido, sólo obras, bidimensional, es o tridimensionales
y algunas obras invisibles, la llena de dominio,
y también sostenía a ese propósito que el público,
antes de confiar en en internet
o llenarse la casa, ni catálogos y de libros,
tendría que abonarse a la línea aéreas o ferroviarias,
e ir a ver a las obras de arte en vivo,
y en el caso de la obra de la que hablamos,
como mueren desaparecen, foto así vibra
y emoción a profundamente.
Solo vista en persona de 2006.
Fue en afán terrible
del panorama contemporani italiano de los años 70 80,
porque trataba a través de sus obras temas candentes
como la misma muerte o subtema favorito,
la inmortalidad amaba, trabajar con esqueletos y calaveras
que vestía con oropeles, aparentemente inútiles,
como narices, de pinocho hechas con papel o patines.
Otorgando un aspecto casi trivial a sus obras.
Pero nombrando las.
Con un título, con títulos profundos y reflexivos,
que invitaban el observador a sospechar
que más allá de lo que pareció ridículo había sin embargo
una reflexión profunda sobre la condición humana,
no quiero dejar de mencionar algo significativo de esa convocatoria.
Recuerdo que es la quincuagésima bienal de Venecia
del que estamos hablando.
Cerraba la exposición una última obra italiana,
la obra de un artista, una mujer
Margarita más, él ya pertenecientes a los años 2000
de otra nueva generación, no, y es importante además
que sea significativo que sea una mujer sí absolutamente.
Si realmente la mujeres que aparecieron en esta exposición
fueron pocas, pero porque en los años anteriores
al 2000 pocas eran las que llegaban a tener notoriedad,
a participar, a concursos y a ganarlos.
Entonces, con Margarita mantra, el.
Pues se nos abre realmente un panorama diferente,
el cuadro no efectivamente, la última invitación italiana
a la exposición antes de que se cerrara con el Japón
está casi un gran camino; es un cuadro de grandes dimensiones,
pero poco es el espacio ocupado por el sujeto,
figura activo en un fondo de colores ligeros,
sede línea como centrada en un paredón,
una niña, muy delgada con un vestido ligero
que se transparente de flores,
pero desplazando la mirada hacia arrasó del personaje,
algo choca y quiere al espectador, una mirada adulta,
sarcástica y acusadora unos rasgos envejecidos,
apagados y resignados.
Otra vez nuestra mirada baja,
el cuerpo casi enfermo flaquísimo a las venas azulada,
que se entrevén detrás de la piel, cándida es otra muñeca.
Niña, mujer animal,
una suerte de marca de fábrica de la pintora margarita mancha,
el que se dedica a retraer criaturas femeninas
sin edad y mesas en la desolación,
que tienen la capacidad de mirar fijamente al espectador
y con su anorexia con su soledad,
y su mirada punzante.
Lo acusan de algo o quizás acusen realmente la sociedad.
Toda son presencias inquietantes que consiguen sin embargo
establecen una fuerte conexión con el espectador,
el cual se reconoce en esa petición de ayuda
y, a la vez, no puede hacer nada para salvar a la niña de mancha,
el atrapadas en sus jaulas de color
Martina.
Para cerrar este programa podemos dedicar dos palabras al título,
elegido para la quincuagésima bienal de Venecia y recuerdo,
sueños y conflictos, lo dictatura del espectador,
el título en sí y ahora sugerente.
Seguramente si fue toda una declaración de intenciones,
el objetivo fue el de presentar el número máximo
de variables artísticas.
Había muchísimas obras,
un número superior a muchas otras ediciones,
para poder profundizar la relación binaria entre público
y habrá de arte, garantizando que el espectador
pueda encontrar una obra con la que establecer.
Un enlace íntimo, que le hable del mundo,
que les rodea, pero siempre mediado por la interpretación artística,
bien Martina López, que es profesora,
colaboradora de la vida de italiano investigadora
del programa de doctorado internacional en Filología.
Muchas gracias por tu aportación y tu participación en este programa.
Ha sido un placer
y espero volver a encontrarnos en esta mesa de estudio de radio
y proponer otros nuevos temas.
Muchísimas gracias a ti, Miguel, por supuesto.
Nos vamos a encontrar otra vez a la que, si gracias gracias,
seré mía.