Y sin mayor dilación presentó ya el tercer ponente
de esta sesión, que es el profesor Mario, de la Torre Espinosa,
profesor titular del área de literal de Teoría de la literatura
y Literatura Comparada de la Universidad de Granada, que investiga
sobre teatro español, Literatura Comparada,
estudios de género y estudios fílmicos.
Tiene una abundante producción científica con más de acción,
publicaciones,
entre las que se cuentan quizás sea su última publicación,
pero es difícil estar seguro el libro, el teatro independiente
en huelva, teatro de las marismas publicado en 2000 veintidos
por la Universidad de Sevilla,
con el que ha obtenido el Premio local;
mejor libro de teatro del año ha sido invitado
para dictar conferencias en centros
como el colegio de las universidades;
dejadez del ver manejáis ambas en Alemania estatal,
Derrida de xaneiro en Brasil o de Buenos Aires.
En Argentina.
Su comunicación de hoy se titula.
La comida en dos espectáculos auto
-ficcional, es argentinos, 200 golpes de jamón serrano,
de Marina Otero y los amigos de vivita, ellas, sin más,
tiene la palabra.
Muchísimas gracias, Santiago, por la presentación
y por supuesto quisiera sumarme a agradecimiento al profesor
José Romera, por permitir que esté a voy a que,
así como al comete organizadora Raquel Carmen Rocío
y a ya el icac me siento muy feliz
de estar además en esta mesa tan interesante.
Comienzo a leer voy a analizar dos espectáculos
que argentino que pude ver en 2019 durante una estancia de investigación
dentro del proyecto autoodi, Coates
-ficción y discurso crítico que dirigí a la profesora ana casa
y que bueno creo que es muy interesante
para reflexionar sobre la idea de comida y comunidad
dentro del teatro y comienzo la lectura para ajustarme bien
a los tiempos.
El teatro tiene una serie de rasgos que se han ido repitiendo
desde sus orígenes más centra ancestrales,
como la antropología cultural.
Se ha encargado de analizar este tipo de comportamiento
asociados al hecho escénico, se ha ido codificando
y su significación ha ido variando a lo largo del tiempo,
pero hay una serie de experiencia que siguen suponiendo un ejercicio
de extraña.
Miento.
Para el espectador actual,
como puede ser la comida como acto de celebración
asociado a cierta forma de teatralidad,
a pesar de que se pueda presuponer que esto es algo reciente
y pensamos en formatos como la zona espectáculo que ayer precisamente
mencionaba el profesor Romera, este tipo de fenómenos nuevos
sino que cuenta con una larga tradición que se remonta al inicio
de la escena occidental, es así como vejar sin merman,
hace mención al comportamiento de algunas tribus en su análisis
del origen de la tragedia y cito en situaciones de crisis,
en la sociedad o en acontecimientos trascendentales
que afectan a la tribu como nacimiento,
muerte, iniciación o boda, el peligro es transformado,
dramáticamente y, elaborado, dramáticamente,
en una restitución mimética, en el rito en la representación,
dramática se suaviza el conflicto a menudo
mediante la danza y el canto,
frecuentemente culminará fiesta en una comida común
como tres son de reconciliación y restauración del orden
o de salvación de la comunidad.
Fin de la cita derecha perspectivas
-ritual donde se podría incardinar al teatro como una de su forma
tiene como función relajar la tensión propia,
de momento, vitales,
cuya experiencia directa resulta insufrible para las personas
afectadas por los acontecimiento sobrevenido,
pero esta definición de ximo alma nos interesa especialmente la mención
a la comida como culmen de la fiesta,
una forma de instaurar el orden, tras el caos
y además, conllevando la idea de comunidad.
Ya el cristianismo tiene su momento culminante
en la celebración de la coherencia,
todo a través de la fórmula performativa,
atendiendo por supuesto pensamiento;
de ella, se llena Austin,
no que sacerdote pronuncia en voz alta
mientras cenaba, Jesús como, pan y habiendo bendecido lo partió,
y se lo dio a su discípulo diciendo tomar.
Este es mi cuerpo.
Esto se repiten cada misa dentro del rito
y tiene desde sus primeras representaciones artística
un claro carácter teatral por la disposición de la mesa
y los comensales,
una teatralidad propia de la liturgia católica,
que genera un momento muy atractivo desde el punto de vista
espectacular.
La cuestión es que este tipo
de comida compartida tiene un componente comunitario básico,
compartir, el cuerpo y la sangre de Cristo,
es formar parte de la familia cristiana,
es decir, el hecho de comer y de ver en este caso
una comida muy especial al estar consagrada hace
que se genere un vínculo muy especial entre los asistentes
a esta representación suigéneris de la Santa cena,
especialmente la de las épocas donde se perseguía a los cristianos,
y sobre todo este acto es relevante porque en él se produce
la participación de todos los presentes.
Son muchos los artistas que han incidido
sobre la aplicabilidad del rito en su práctica escénica,
sobre todo a partir su de su incorporación
en el teatro del siglo xx,
donde el comer y beber dejaba de ser un acto exclusivamente
simulado para mostrarse como acción real,
y formar parte de propuestas per formativas.
Solo hay que pensar en la acción,
y me o bien es que junto a fluido de diferente índole
introducían comida y otro elemento en su acciones artística
para transgredir los límites de la estética vigente.
Hasta esos año,
vinculados a una moral cuarta adora de la expresión artística,
esta tendencia sería seguida por diferentes performer performer,
aunque lo ritual quedará mucho más diluido,
sería, el caso de marina abre a móvil que quien comenzaba súper formas
o zonas ingiriendo, un kilo de miel con una cucharada de plata
y, viviendo un litro de vino, tinto en una copa de cristal,
que luego después rompería,
con la cual se realizaría una serie de incisiones en el abdomen,
simulando la estrella comunista de la bandera,
Yugoslavia yugoslava o bien Bilín,
sirve donde el artista Serbia permanecía impasible
mientras el público tenía el poder de hacer con su cuerpo,
lo que quisiese usándolo 72 utensilio dispuestos.
Para ello, entre los que se incluían elementos conectados con la comida
y cito serían pan vino uvas azúcar agua una manzana sal
una cuchara un pastel un hueso de cordero, un tenedor,
un cuchillo de bolso, un plato, aceite de oliva, un vaso y miel,
la cuestión es que este tipo de prácticas comenzarían
a integrarse en propuestas escénicas de nuestra contemporaneidad,
e incluso, recuperando su carácter ritual originario,
es lo que sucede en.
Yo no soy bonita Angélica líderes donde bebe alcohol
y, tras producirse unos coarten su rodilla,
enjuga su sangre en unos trazos de dpa
y se los come a continuación,
haciéndonos recordar la tras su estación trans
sustanciación del en el cuerpo y sangre de Cristo,
uno de los misterios del catolicismo,
que conecta muy bien con la vocación por mostrarlo insondable,
que persigue el líder con su teatro.
Pero esto es solo una muestra.
Sobre las tablas de la radicalidad, del podía,
que si bien se distancia de las propuestas que vamos a comentar aquí
no deja de comportar un elemento performativo que nos interesa
por lo productivo que resulta tanto a nivel práctico
como teórico.
Hablamos del centro,
desde el marco de la estética de lo performativo Delhi,
café y ser liste.
Sobre aquellos espectáculos que reclaman
a través de diferentes técnica la participación del público,
una vez que este es incapaz
de incardinar lo que está viendo en el marco ficcional,
propiedad, la escena y por ello se ve provocado,
actuar ya sea desde el asiento o incluso saliendo al escenario,
les quite la imagen con este tipo de prácticas escénicas
impregnadas de un componente.
Performativo claro, se rompe con la idea de esa ansia,
que expone al hablar de la paradoja del espectador,
donde y cito en primer lugar mirar lo contrario a conocer,
el espectador permanece ante una apariencia
ignorando el proceso de producción de esa apariencia
o la realidad que ella recubre.
En segundo lugar, es lo contrario de actuar,
la espectadora permanece inmóvil en su sitio pasiva.
Fin de la cita, sería la actitud propia
de un público incapaz de actuar de forma consciente,
y digo esto sobre la conciencia sobre su participación,
porque el público siempre interviene en el espectáculo,
aunque solo sea con su simple corporal edad,
observante otras cuestiones que se sigue este acto espectador Yal.
La expectación tal como la definen
Jorge Kubati se puede movilizar en alguna dirección.
Ante esta ante esta duda ya Francia lo tiene claro si se puede.
No es por ello que no resulte muy fructíferas
para el análisis en esta línea aquellas obras que incorporan
en su estructura al espectador de una forma explícita
y, si bien podríamos estar hablando de propuesta del estilo
de la mítica acción de La Fura, del Baus,
donde se movilizaba al público a través del espacio
a través de la representación de una serie de acciones violenta.
No vamos a centrar en otro tipo de obras
que ponen de relieve el carácter real del público
de una forma muy personal.
Hablamos del teatro ficcional aquel
en que se da la coincidencia nominal entre el autor,
el personaje y el intérprete.
En estas obras, escenifica la fisura entre lo real
y lo ficcional propio de estas prácticas,
recurriendo para ello a mecanismo
como la misión a mí la meta Alexis o técnicas
como la Mengele,
con la que hemos visto el líder de la autolesión.
En estos momentos, el marco de lo ficcional,
se derrumba y el público.
Se ve impelido a reubicar los actos que está observando
a no poder ajustarlos, al marco de la ficción
o bien a asumir toda la autorreferencia
a otro referencia al edad de lo que está aconteciendo
ante sus ojos.
Sería, por ejemplo, el caso de la poesía,
no que algo inasumible para muchas personas
dentro de la práctica artística.
Este tipo de obra pone en entredicho, por tanto,
el estatuto tradicional de la escena
y revela al espectador durante el proceso
de la representación.
Las referencias al mundo
hechas desde las tablas también afectan a su realidad,
por lo que se genera un proceso muy atractivo
desde el punto de vista espectador Yal
por la riqueza que introduce ante la incertidumbre propia
de la autora ficción.
Esto es lo que pasó en un de obra, que viene agosto de 2019
en Buenos Aires una escena siempre muy interesante y rica,
tanto en cantidad como en variedad de espectáculo,
y donde se pueden encontrar propuestas donde el alto oficio
aún se hace presente con diferentes gradaciones.
En general,
se podía divisar una clara pulsión por lo real en parte de la cartera
y la bonaerense.
Del momento.
Como se deducía de la alta presencia de temas político
y su tratamiento con diverso enfoque,
los espectáculo que vamos a tratar aquí sin esta línea
y tienen la peculiaridad de que se definen como vía drama
concepto de creado por viví telas para designar a un tipo de proyecto
que versa sobre la propia vida de los intérpretes y protagonista
y que citó a Pamela habrá una se inscriben
en torno a lo que se podría llamar el retorno de lo real en el campo
de la representación.
Fin de la cita.
La primera de las obras
sobre la que voy a detener el 200 golpe de jamón serrano,
estrenada en 2017 escrita dirigida interpretada por Marina Otero,
para mí una de las creadoras más interesantes
de toda la escena hispánica y, como dicen algunos críticos,
corresponsables de la ebullición de la danza autobiográfica
y la poética de desencanto, de aire.
La pieza arranca con el actor, Gustavo Garzón, haciendo de sí mismo
sobre las tabla, hablando al público
y rompiendo la cuarta pared.
Entre las cuestiones que va relatando se encuentra el motivo
por el que estar él la obra introduciendo una aviesa name
muy sugerente resulta que viven actriz de la escena independiente,
interpretando mío drama.
La actuación de esta joven marino Otero
le facinho, haciendo, replantearse lo que estaba haciendo
con su carrera, sobre todo ahora que,
siendo un hombre maduro en Naciones 55
habiendo pasado bastante año desde su grande éxito
las nuevas generaciones
ya no le conocen Garzón cuanto ataque contacta con Otero
y esta acepta dirigirle para la escena hoz
poniéndole una serie de retos de interpretativo,
muy exigente el actor argentino mientras habla sobre estas cuestiones
y otras relativa a su vida, tanto pública
como privada, no deja de moverse,
de realizar acciones de cierta exigencia física
también muy en línea con la práctica de Marina Otero
que hace un tiempo más conocido aquí en Madrid y, sobre todo,
a partir del éxito de facsímil en el Festival de Otoño último,
no en un determinado momento, la autora del texto y directora
de la obra, irrumpen escena diciendo que todo lo que él está contando
es falso.
Le contradice diciendo que realmente fue ya el contacto,
primero, ya que Garzón es un actor de televisión conocido
y ella quería salir de la precariedad
en la que estaba desarrollando su trayectoria;
a partir de este momento se introduce la incertidumbre en el público,
formado tanto por generaciones más madura,
que con absténganse, garzón estrella de la televisión,
muy conocida tipo resina en el caso español,
para también ubiquen.
Esa, esa comparación,
junto a lo que sería esta artista de la escena Oz,
que solamente lo conocen por las generaciones más jóvenes,
muy aficionada a lo que es el teatro,
más han denigrado e así como comienza.
Esta segunda parte,
donde la per formé transformen Otero,
adoptarán formas muy críticas con el mundo teatral
e incluso recurrirá a Angélica, lidera en concreto, el texto de perro
muerta en de interfería lo fuerte,
una obra muy alto ficcional también para arremeter mostrar su repugnancia
a saber hacia el mundo de la escena Argentina.
Se trata, por tanto, de dos actores que confianza sobre la escena,
los difíciles momento, profesionales y vitales
por pueblos que están pasando Garzón porque su fama ya ha decaído su vida
privada privada.
Está siendo convulsa y necesita reinventarse;
para reencontrarse consigo mismo, y junto a él y dirigiéndolo Otero,
una, crear todo era desconocida para el gran público
que no puede soportar más el grado de miseria
que vive haciendo su teatro.
Resulta muy llamativo que estos actos de desendeudamiento
sobre las tabla de tono muy confesional,
no estén desprovisto del humor.
Está autogovern visión tan habitual en la ficción.
Por otra parte, contribuyen, no obstante,
a generar una mayor empatía de la audiencia con los intérpretes
y su historia.
Dirá la propia Otero, estoy harta de los dios drama,
y me llaman para eso.
Como dice un vídeo, drama.
Parece que es lo único que sé hacer, que está.
Si esto más que un mío drama,
es un drama sobre un acto narcisista insoportable
y la directora fracasada, que no sabe qué hacer en un momento.
Hace al final de la pieza garzón,
interrumpe la función baja al patio de butacas
e invita al público a tomar vino calles.
Hablaba que había poco vino en la obra que estábamos comentando.
Aquí si hay vino se disculpa con ofrecerles comida,
porque la precariedad en la que están desarrollando ahora su carrera
y este espectáculo en concreto
les impide invertir en esto dirá antes dábamos sándwich,
sitos generando la risa entre los espectadores.
Resulta curioso que esta escena arranque con garzón,
hablando también de comida y de la costumbre de antaño,
de compartir latre a las funciones con los compañeros;
naves que salían de sus respectivas funciones.
Ante la nueva situación actual.
Ahora el actual la comparte en plena función con el público,
y cito el fragmento de Garzón antes estilaba que cuando las obras
terminaban los actores nos íbamos a cenar,
nos encontrábamos con otros actores y era lindo, ahora no se hace más,
termina la obra y cada uno se va para su casa.
En un ratito esto se terminan en un ratito, esto se termina.
Me subo a la comba en 10 minutos.
Llegué al hotel, me pide una milana esa con puré; hice
no solo mirándome feliz, como decíamos.
En ese momento se ofrecen la botella de vino tinto y 1,
vaso para quien quiera beber con el parte del público.
Muy entusiasmado con la función.
Acepta divertido y la obra en cara a su recta final,
que acabará con los protagonistas, bailando con el público,
comenzando con el tema flaps, dan irene,
cara e incluso algunas espectadores subirán con ellos
al escenario propiciado por el alcohol.
Ingerido el tono catártico de la propuesta en maximizado.
De esa manera, todo el mundo empieza a bailar.
La sala se se viene arriba, no, la otra obra que vamos a comentar
el amigo un vio drama,
va de debilite la espectáculo estrenado en 2018,
la autoría corresponde a la creadora;
Argentina, junto a los protagonistas de la historia, falou.
Si se y en Bañez Shaw,
dos jóvenes senegaleses que contaran episodios de subida,
tanto en Buenos Aires como en su tierra natal,
y denunciaran los prejuicios,
y el racismo en general que viven como personas negra,
inmigrante estamos ante un video dramas de vivir tela,
donde se respetan las normas que planteó la autora.
Para este subgénero,
que creo gracias a su correduría en el teatro Sarmiento.
La historia debe versar sobre personajes reales
y estos tienen que ser interpretado por ello mismo la dramaturga
emprende la búsqueda de la teatralidad
fuera de la escena.
Para llevarla al teatro, con posterioridad,
lo que ella denomina unidad mínima de ficción,
haciendo así un ejercicio de ficción
habilitación evidente que nos permite hablar de tu afición,
aunque ya no aparezca en escena la obra que analizamos aquí
arranquen medias, ves a con norma
también en todo lo que serían su drama,
mientras el público espera en el jardín de una sala teatral,
donde se va a desarrollar el espectáculo,
al fondo de al fondo, hay una casa de madera
con una ventana y una luz, que sería esta instantánea,
que tome donde se ve a falou,
prepararte en la cocina, en su compañero sou,
y comienza a conversar en uolof su lengua materna
cuando la bebida.
Esta lista invitan a los espectadores a entrar en la casa
y a ocupar su asiento en una creada frente a los intérpretes.
Los protagonistas comienzan a narrar con la dificultad de que el español
le supone como se han ganado la vida como manteros, buenos aire,
y cómo se conocieron en el barrio de caballitos,
cada éxito, dieran gallos,
porque era su español.
Hay que también ubicar lo que queda argentino.
No revisan igualmente lo diferentes avatares vivido
desde que abandonaron su tierra natal para instar al sentir la Argentina.
La puesta en escena es muy sencilla,
con una mesa alargada que se veía el fondo en la que se encuentran
diferentes objetos que sirven de atrezo
y una pantalla sobre la que se van proyectando una serie de imágenes
que remiten continuamente a lo factual,
reforzando la verosimilitud del acontecimiento que están narrando
entre los materiales que comparten en la proyección se encuentran
los correos electrónicos,
que intercambiarán convivir, tela a partir del momento,
que ya hace una convocatoria para de actores o personas
que vienen de África para desarrollar una pieza
debido drama.
Con esa conexa,
con esa persona se va contando todo el proceso de construcción
de la pieza, a través de su correo electrónico,
introduciendo también una visión ambiental, ambiental,
propia de la auto ficción,
la migración africana en este país, los fenómenos reciente,
lo que genera un número importante de incidencias relacionadas
con el racismo, según exponen los protagonista,
la obra denuncia esta situación y plantea cuestiones
en torno a la negritud, la otredad el color de ánimo ola.
Islamofobia.
La obra actúa
así como un eficaz mecanismo de esa automatizados.
Porque gracia lo que dicen
y muestra proyecciones, fotografías sobre todo ayuda
a entender su realidad más allá del estereotipo
entre los elementos que contribuyen a de ese estereotipar,
les se encuentran.
Las menciones a la familia.
Este tipo de referencia es muy habitual
en el teatro auto ficcional,
un yo vinculado a la historia personal
donde los familiar tiene una importancia capital, sobre todo
porque es algo que interpela cualquier espectador bien
por las relaciones familiares
que tiene o bien por la ausencia de ella debido a esto,
cuando proyectan imágenes de la madre de sou
o las imágenes de falou de su vida en Senegal.
La propuesta quiere un especial carácter persuasivo
con el público gracias a asistir a esta faceta de su vida privada
mediante los materiales audiovisuales proyectado.
El final de la pieza es similar al de la obra de Otero
y bitan al público, a bajar el escenario,
y compartir con ellos comida y bebida de que prepararon
-se ofrece al público combino un bolquer de cacahuetes
y Humboldt cacahuete.
Bueno, aquí también el cartel aparece también
la información que se ofrece.
Al final de la obra,
comida no, como ya parte de lo que la propuesta
de la pieza no sería una fotografía del vol,
con cacahuete como un producto cultivo muy cultivado en senegal,
este espacio, con la función supuestamente finalizada,
sirve para que los espectadores, intercambios,
un impresión en colores, actores para que dialoguen,
se siga si una de las constantes del biólogo,
del vídeo drama de vivita,
y todavía tras trastoy las picadas con ingredientes afines
a las temáticas específica de cada espectáculo del ciclo archivo
diseñadas por visítelas, una especie de cfa servido,
después de la función y compartido por realizadores y publicó nunca más
de 45 persona, sirven para estimular entre ellos el intercambio de ideas.
Además, el propio dispositivo de la mesa, con ese vol circular,
donde toda la gente que bajamos a la función,
que yo fui al escenario,
pues también genera una energía de diálogo, de conversación
a través de la comida, no, como es el elemento central
que todo el mundo introduce la mano en ese ball bueno,
y genera y vivir finalizando ya.
En las dos obras que hemos visto,
la comida aparece de diferentes forma,
constituyendo un elemento de conexión del público con los intérpretes.
Lo real se convoca a través de unas acciones,
las de comer y beber, que no pueden ser fingida,
sino simplemente ejecutada, y no solo porque se evidencia la deglución
en los intérpretes,
sino porque es el propio público el que acomete esta acción,
que se expande desde las tabla hacia el patio,
transgrediendo la frontera del escenario
para compartir la comida, como sucede con sol y falou
en la pieza de vivir la y la de Otero,
así este tipo de actos,
genera consecuencia en el hecho teatral,
ya que supone una alteración de un orden preestablecido,
como dice la investigadora.
Argentina, Beatriz Trastoy, y también el profesor
perder la silla también las citadas en torno a la comida.
No dice Trastoy.
Dice.
La relación de la comida con las diferentes disciplinas artística
despliega siempre complejas referencia
más o menos simbólica acerca de lo individual,
de lo social y, por ende, de lo político.
En la medida en que pone en crisis cuestiones de orden ético
y estético, esta visión política
sobre el acto de comer viene refrendada por la propia,
haría que si dramática lo dos caso expuesto,
nos encontramos con sujeto que viven en lo precario,
en la obra de Otero,
una actriz y directora del Grado y un actor enormes, baja Juan,
el de tela,
dos migrantes africanos que subsisten en la capital, Argentina,
como pueden, el simple hecho de compartir comida,
desde la precariedad que sufren,
supone un acto de rebelión contra ciertas formas actuales
de entender la vida,
donde el egoísmo se presenta como un valor
a defender desde el liberalismo.
Ahora lo importante es compartir,
y mediante este gesto de generosidad,
el de la división de la comida entre los participante
se gesta el inicio de una comunidad, sobre todo porque se rompe
con los límites escena platea y se genera un continuum.
Gracias al baile,
después del vino en 200 golpe de jamón serrano
o la comida y la conversación amistosa,
los amigo marcando esta indivisa in división entre lo real
y lo ficcional, tan propio de la auto oficial.
Muchas gracias.