Buenos días, bienvenidos a mi estudio.
Mi idea, lo que tenía previsto era...
hacer una especie de pequeño recorrido
y contaos un poco lo que ha sido mi vida como artista.
Desde cómo... las cosas han cambiado mucho de cuando yo empecé,
a como están ahora, actualmente.
También intentar daos una visión de lo que creo que puede ser un...
no un estudio de artista,
sino lo que es la actividad de un artista hoy en día.
Y mi punto de vista de cómo... hacia donde...
los retos y los desafíos que nos están esperando,
a los que nos tenemos que enfrentar.
Mi formación fue como pintor.
Empecé con los profesores que tuve durante el bachillerato,
tuve la suerte de que me encontré con varios profesores
que tuvieron la sensibilidad de dejarme,
en los recreos y en los ratos libres,
disponer de un espacio para pintar.
La verdad es que yo creo que uno empieza a entrar en un mundo cuando,
de alguna forma, descubres, te abres,
o entras en un momento de pasión o de enamoramiento,
le puedes llamar de muchas formas,
yo creo que ahí es un gesto de amor, de generosidad,
y en esos espacios, en esos recreos, que realmente eran recreos,
fue donde yo encontré mi vocación.
Aunque ya siempre, desde pequeño,
tenía inclinación por la expresión visual,
por lo que es el mundo visual.
Y empecé, luego hice Bellas Artes.
En Bellas Artes tuve profesores "deformación" más que de formación,
porque la escuela, en aquel momento estábamos,
bueno, quizá yo soy hijo, pertenezco a esa generación-puente
entre lo que fue un sistema de una dictadura que pasaba,
que descubría un sistema de libertades,
entraba la democracia, y ahí entró todo lo que vino después, la movida.
La movida yo la estudié a través de los libros, no llegue a ese punto,
yo tendría 15 años cuando se generó
todo ese movimiento de explosión no cultural.
Lo que recuerdo como más importante de aquel periodo fue...
las personas con las que estuve en contacto.
Los que queríamos ser artistas nos reuníamos
y la facultad era un punto de encuentro
donde encontrabas gente con actividades,
con formas de entender el arte, no iguales, incluso, distintas,
pero que también eso era muy importante.
Después, se termina lo que es la parte formativa, la parte académica,
y empieza otra realidad que es el mundo,
empiezas a tener que desarrollar tu propio lenguaje
y empezar a buscar tu forma de entender el mundo.
Y entonces, ahí, yo durante los años de formación
estaba muy influenciado por los románticos alemanes,
en aquella época me consideraba,
de alguna forma, estaba muy impregnado
por esa forma de entender de los románticos
y pienso que pasé por un periodo que se podía llamar neoromanticismo,
una idea de intentar recuperar ciertos elementos,
ciertos patrones de lo que era el romanticismo.
Pero, en un momento determinado, yo vivía en una ciudad como Madrid,
estamos hablando de los años... yo terminé la facultad en el 83,
y yo no estaba rodeado de cipreses,
de fantasías, de paisajes maravillosos,
estaba rodeado de coches, de tráfico, de contaminación y,
de repente, di un giro total
y empecé a interesarme por la realidad que tenía presente,
por el mundo tangible que tenía próximo.
Entonces, el primer trabajo que hice en ese giro de 180 grados,
fue la estación de Atocha, que estaba en ese momento en obras.
Entonces recuerdo que, en aquel momento, me pasé un día por la obra,
me acerqué al jefe de obras,
le dije que estaba interesado en hacer fotografías,
que qué había que hacer,
y simplemente, ese señor me dio un casco, me dijo "vente conmigo",
pasé con él, me dedicó toda la mañana,
y yo descubrí, digamos que, a partir de ahí,
todo lo que tenía de interés una obra en proceso de construcción,
con todas las alegorías que eso conlleva,
la sociedad en transformación constante.
Me enganchó de tal manera que, a partir de ahí, durante muchos años,
empecé a desarrollar todo un trabajo relacionado con el mundo urbano,
con el urbanismo, con el proceso de las ciudades,
las transformaciones, los problemas que puede conllevar,
los nuevos retos que la tecnología y el progreso se supone que van...
cómo van incidiendo en la transformación,
positiva y negativamente, en la transformación de una ciudad.
Mi primer laboratorio fue en Madrid.
Ahí empecé... aparte de la estación de Atocha,
luego fijé mucho la atención sobre el edificio de Oiza,
que ahora es el BBVA, que está en la Castellana.
Me parecía, también, uno de los iconos de la ciudad,
siempre centrando mi atención en lo contemporáneo,
en lo más novedoso, en lo más "vanguardista", entre comillas.
Luego, a partir de ahí, el laboratorio cambió,
de Madrid pasó a Berlín.
Entonces descubrí que existían otros contextos donde...
muchos parámetros coincidían,
pero, luego había muchos otros aspectos que eran...
totalmente distintos y contextos muy diferentes.
Después, de Berlín pasé a China,
en China ya era otro laboratorio totalmente distinto,
de China pasé a Brasil, fui recorriendo distintos escenarios
y contextos de culturas, algunas muy afines a la nuestra,
y otras, totalmente diferentes, que no tienen nada que ver.
Y eso me ha hecho reflexionar
sobre muchos aspectos de lo que puede ser nuestra vida,
y como artista, creo que un artista se tiene que rodear de un escenario,
que es su estudio o un taller,
ese taller, yo lo entiendo como un centro de investigación,
un lugar donde se tiene que investigar y desarrollar,
o sea, tú puedes tener una serie de ideas,
unos objetivos, unos proyectos, pero los tienes que materializar.
Entonces, el lugar donde se materializan o donde cogen forma,
o donde se crea la tensión
de lo que es la producción y la materialización, es el estudio.
Pienso, para mí, un estudio...
hoy en día un artista tiene que ser muy interactivo, muy flexible,
el estudio es una pequeña parte de lo que es realmente el estudio,
o sea, aquí estamos viendo una décima parte
de lo que realmente es mi estudio, porque...
mi estudio es una red de colaboración
con muchos laboratorios o los lugares de producción.
Esto hay que entenderlo como un núcleo de un ámbito mucho más amplio,
donde, por ejemplo, si entramos en una escala internacional,
el problema está en que el mundo es todavía muy grande
para moverse, desplazarse, para...
sobre todo, desplazar y trasladar tu obra.
Entonces, cuando haces una exposición,
por ejemplo, en Nueva York o en China,
la producción no tiene sentido.
Yo llegue a la conclusión, y yo creo que se ha impuesto,
y al final lo que ha prosperado es que...
no puedes producir todo en ese núcleo,
sino que tienes que buscar esos laboratorios,
esos sistemas de producción, que se ajusten a tus necesidades,
que respondan y que permitan esa facilidad de poder mostrar tu obra,
de que tu obra se materialice en lugares tan lejanos
como puede ser Pekín o Nueva York, o cualquier otro lugar.
Siempre me interesa mucho el equilibrio entre
lo racional y lo irracional, lo tangible y lo intangible,
lo que puede ser testado y confirmado a través del empirismo,
pero... lo mágico, lo irracional.
Entonces, buscar una especie de tensión,
abrirse a esos dos mundos, estar atento a esas dos opciones que,
en principio, bueno, lo que los chinos hablan del yin y yang.
Por eso también me ha interesado mucho la cultura china
y durante años he desarrollado mi trabajo en aquel país.
Entonces, creo que la innovación
no tiene por qué ser incompatible con la tradición.
La tradición puede ser muy útil
y puede ofrecer mucha información útil para un artista,
y creo que hay casos...
Sería absurdo pensar en los artistas como innovadores al 100%,
como islas de genialidad o de información, o de creatividad,
que están aislados, que generan y que parten de cero.
Yo no creo en ese tipo de arte,
yo pienso que el arte es un flujo de energía,
un flujo de ideas y los artistas lo que hacemos,
nuestra capacidad es conectar con ese flujo de información,
de ideas y de principios, y de alguna forma, al conectar,
es como cuando se abre una fuente, esa energía, de alguna forma,
la puedes canalizar y puedes ser transmisor de esa energía.
Los retos que veo yo ahora, hoy en día.
Que siempre, el arte para mí...
ha demostrado su necesidad, es necesario.
El arte que, se supone, que cumple una función decorativa,
sirve para decorar paredes,
no, no es solamente eso, eso es una parte,
una manifestación de las múltiples que tiene,
pero, el arte, son los ojos del mundo, los ojos de la cultura,
son los que, de alguna forma, cuentan la historia,
y los artistas están al servicio de la cultura a la que pertenecen
o del momento histórico al que pertenecen.
Entonces, creo en esa utilidad
y el problema está en esta sociedad que está totalmente...
ahora mismo todo es cuestionable, los cimientos están muy tocados,
en cualquier momento el edificio...
bueno, el edificio se está desmoronando
desde hace ya mucho tiempo.
Ha habido un interés por intentar arreglar el edificio
para que no se caiga, hacer ciertos retoques,
pero el edificio está muy dañado y, seguramente,
la solución será volver a construir un edificio nuevo, un sistema nuevo.
Nuestro reto, como artistas, es demostrar que somos útiles.
Demostrar que lo que podemos ofrecer a la sociedad,
a la sociedad le sirve de algo.
Entonces, ahí, creo que es donde nuestra labor es importante,
igual que la labor de los filósofos
y la labor de ciertas actividades humanas
que se centran en ese aspecto,
en la parte más misteriosa, oculta y, quizás, difícil de...
que necesita para aflorar unos cauces muy determinados,
y en ese sentido el arte creo que es fantástico.
El arte es el mejor cauce o canal para sacar y manifestar
y sacar fuera todo ese mundo.
De hecho, por ejemplo, aquí tenemos esta obra
que, para mí, creo que es un ejemplo clarísimo,
que es El jardín de las delicias, de El Bosco.
Creo que representaría muy bien ese aspecto de lo que es la parte...
yo creo que esta obra nace fruto de un encargo,
entonces El Bosco, yo creo, que aquí se planteó el reto,
el reto de El Bosco fue, de alguna manera,
hablar sobre cómo se entendía el mundo en aquel momento,
en aquel periodo histórico, qué idea tenían del mundo, entonces,
él hizo una enciclopedia, es "el mundo y sus variedades".
En esta enciclopedia trató el saber de la época,
con todas sus inquietudes, todos sus enigmas y todas sus certezas.
Entonces, no solamente...
aparentemente tiene una primera lectura que es una lectura religiosa,
que es la creación del mundo desde el punto de vista judío-cristiano,
pero eso, cuando avanzas un poco más,
te das cuenta de que eso no es así.
Hoy en día el arte, a lo mejor,
no tiene esa necesidad de trascender tan grande.
Sí tiene la necesidad de... más que de trascender,
de hacerse visible, aunque sea un instante.
Quizás, el primero que inauguró esa forma de entender el arte
fue Warhol cuando dijo:
"todo artista tiene derecho a cinco minutos de gloria".
Cinco minutos de gloria, aunque sean sólo... pero, cinco minutos,
luego ya, pues... de alguna forma.
El arte, ¿de qué manera se va a gestionar?.
No lo sé, la verdad. Yo tengo muchas dudas sobre ese tema.
¿En qué medida la creación, el creador, como individuo,
la idea del creador como genio o como persona,
en qué medida va a trascender o va a sobrevivir en esta circunstancia?
Lo tiene muy difícil.
Creo que, quizás, estamos más cerca de esa concepción medieval
del trabajo anónimo, del trabajo colectivo,
donde las fuerzas se unen en una dirección, pero...
hay una relación más de colectividad,
que no de genio individual que destaca y que se forma, autodidacta.
Quizás vamos a entrar en una dinámica mucho más propicia
para trabajos de colectividad, de trabajar más en el anonimato.
El arte puede ofrecer toda esta serie de discursos y de información,
y de ayuda, llamarlo como queráis,
pero que es lo que le da ese aspecto mágico y especial
y que hace que haya sobrevivido
y, yo pienso, que seguirá de alguna forma sobreviviendo.
Quizás, igual que el artista bohemio,
la idea que teníamos del artista del siglo XIX,
no tiene nada que ver con el artista actual,
ni tendrá que ver nada dentro de, a lo mejor, unos años.
Nuestro escenario cambiará, nuestro vestuario cambiará,
pero la misión, yo pienso, podemos hablar de misión,
o la razón de nuestra labor,
de alguna forma, creo que tiene mucho por hacer.