Música y pintura,
artistas plásticos graficando discos y carteles.
Cantautores que, además de su poesía y sus melodías,
dejan constancia de su obra en las carátulas de los vinilos y los CDs.
Ambos mundos de la mano compartiendo una misma búsqueda,
un mismo mensaje, una misma estética.
Detrás de esto hay muchas historias que contar.
Una de ellas, la de Isabel Villar,
pintando un cuadro como cartel del documental de Fernando Trueba,
que retrataba a Chicho Sánchez Ferlosio,
"Mientras el cuerpo aguante".
Había en aquella época mucho pintor,
entre ellos, Eduardo Húrculo, que era muy amigo de Chicho también,
y, entonces, a Chicho le daba por venir a vernos.
Primero veía a Eduardo Húrculo,
luego venía a vernos a Eduardo y a mí,
y a enseñarnos un juego que estaba haciendo,
muy ilusionado, en aquella época,
que yo nunca llegué a entender bien a qué se jugaba aquello,
y había veces que se quedaba con nosotros
y, luego, también, mucho, por sus letras y sus canciones,
que a mí me interesaba mucho.
Pues eso no fue idea mía,
fue idea de Fernando Trueba que me llamó un día y me dijo
que estaba haciendo la película sobre Chicho
"Mientras el cuerpo aguante"
y que le gustaría mucho poner a Chicho sentado en mis jardines,
tocando la guitarra.
Entonces yo dije "perfecto",
porque yo no soy muy de hacer retratos,
por ejemplo, he hecho muy poco retrato,
no me gusta mucho y se me ha propuesto bastantes veces.
Pero, sin embargo, era tan fácil lo de hacer a Chicho sentado,
tocando la guitarra en un jardín mío, que así surgió.
El inventor de las portadas de disco
es un hombre americano que se llamaba Alex Steinweiss.
Es una figura bastante desconocida,
pero hay que hablar de él, porque él hace la primera portada,
que es una portada, en el año 1940,
de un artista de Columbia, que era la Orquesta de Richard Rodgers.
Y, entonces, ellos giraban y tocaban en Nueva York,
en el teatro Imperial, en el oeste de la calle 45.
Alex Steinweiss fue allí, le gustó la marquesina,
con el título de Richard Rodgers Orchestra,
hizo un dibujo de aquella marquesina
y esa es la primera portada de la historia de la música.
¿Cómo se traslada eso a España?
Los primeros son artistas relacionados con el folklore,
la copla, León y Quiroga, el flamenco...
y, curiosamente, ahí ya hay una serie de portadas
que tienen una relación con el academicismo, con el regionalismo,
Romero de Torres,
gente así son utilizados para hacer algunas portadas
de estos artistas que tienen una unión lógica
con el momento social y político que se vive en España.
En los años 60 empieza el movimiento de los cantautores.
Y ahí es donde, realmente, hay una unión entre la música
y el arte plástico, los pintores y los cantantes.
Y una cosa muy curiosa,
los cantantes son perseguidos por Franco, pero los pintores no.
Entonces, el papel fundamental, yo creo que lo hace la "nova canço",
ese movimiento de reivindicación,
de afianzamiento cultural del catalanismo
y veremos gente como Raimon, que tiene una canción "Al vent",
que es el paradigma de todo ese tipo de movimiento.
Que Raimon, realmente,
es que todas sus portadas son unas obras de arte increíbles.
Raimon tiene desde Miró a Tàpies,
luego, más tarde, en la época del pop, al Equipo Crónica,
que le hace una portada para un single... alucinante,
con Felipe IV, una lavadora...
una mezcla de ideas que configuraban muy bien lo que era...
lo que estaba siendo el pop ya desarrollado por los americanos,
tipo Andy Warhol, etc.
Miró hizo, yo creo, que tres portadas,
dos para Raimon y una para María del Mar Bonet.
La historia es muy bonita porque,
María del Mar recibe el cuadro, pero no tenía hecho el disco.
Entonces, se había ido también de Ariola,
con lo cual tampoco tenía el dinero para hacer el disco,
de tal manera que habla con el marchante de Miró,
le da la portada del disco al marchante,
el marchante le presta el dinero, se va a París, graba el disco,
y cuando vuelve, el disco es fantástico,
Ariola entiende que no puede hacer nada de rollo comercial con ella
si no que tiene que hacer lo que ella hace, le compra el disco,
le devuelve el dinero al marchante,
y el marchante le devuelve el cuadro a María del Mar.
Esta de Raimon, por ejemplo, es también una portada muy bonita,
sobre cartón, donde Tàpies utiliza letras, signos.
Tàpies comenzó siendo un pintor surrealista,
pero, poco a poco, entra en el mundo del informalismo
y humaniza con estos símbolos este tipo de pintura.
El grupo El Paso
está formado por artistas que vienen de distintos puntos del país,
como, por ejemplo, Millares que viene de Canarias,
o Antonio Saura, que viene de Aragón.
¡Qué mejor unión que dos aragoneses como Labordeta y Antonio Saura!
La negación del color, el blanco y negro.
Millares, que también forma parte del grupo El Paso,
y que también son los colores del blanco y el negro los que utiliza,
aunque ahí hay unas manchas rojas.
Volvemos a ver la unión entre el artista y su localidad,
es decir, Los Sabandeños, grupo folklórico canario donde los haya,
Manuel Millares, artista canario donde los haya.
Adolfo Celdrán, grandísima portada de Juan Genovés.
Yo creo que es una de las portadas más brutales de la música española,
realizada por un artista plástico.
Es el año 1970, es el Proceso de Burgos,
y vemos la mirada de alguien dentro de una cárcel,
de esos hombrecillos corriendo hacia ningún sitio
que muestra esta portada de Adolfo Celdrán.
Juan Genovés en esa época firma, además, con la Marlborough
y tuvo cierto miedo al hacer esta portada,
pensaba que la gente de Marlborough no se lo iba a permitir,
pero no pusieron ningún problema y finalmente la obra de Genovés
está relacionada permanentemente con esos hombrecillos que plasma.
Poetas en Nueva York.
Esta es una portada donde Húrculo
sitúa a uno de sus hombres errantes en busca de la libertad en Brooklyn,
mirando hacia el centro de Manhattan,
y es una portada que ha sido muy significativa porque...
Leonard Cohen, por ejemplo, dijo maravillas de esta imagen,
se identificaba totalmente con su look y con su ciudad.
Podemos hablar de Arroyo,
podemos hablar, cómo no, de Gordillo,
el gran inspirador de la siguiente generación,
que es la nueva figuración madrileña,
donde ya hay una relación entre pintores y músicos total,
porque ya están en el Rock-Ola,
los músicos tocando y los pintores debajo con un whisky,
es que luego cuando acaba se van a casa de Guillermo Pérez Villalta
o a casa de Navarro Baldeweg, y se toman una copa...
-A lo largo de tu vida has ido saltando de la canción a la pintura,
¿cómo ha sido combinar esos dos mundos?
-Yo empecé a pintar desde muy chico, desde muy pequeño, a pintar en serio.
Pensaba que me iba a dedicar solo a la pintura.
De repente se me cruzó una guitarra
y empecé a aprender a tocarla un poco,
escribía poemas y, entonces,
escribir poemas y tocar un poco la guitarra
te lleva, inexorablemente, a la aventura de escribir canciones.
Yo creo que aparecieron las canciones un poco porque...
allí donde acababa la imagen necesitaba palabras para contar
lo que quisiera contar o expresar lo que fuera.
Y, bueno, van en paralelo.
Siempre estoy encerrado en el estudio pintando, dibujando,
o trabajando con materiales diversos,
y cuando ya llega un momento de una cierta saturación,
necesito agarrar la guitarra y ponerme a construir canciones.
-¿Qué te supone más satisfacción
ver a la gente disfrutando de un cuadro tuyo
o ver a la gente disfrutando de una canción?
La música es mucho más emotiva,
la canción va directa a los sentimientos.
La imagen, la pintura es más fría,
yo creo que el contacto es más frío, es más conceptual.
No sé si se disfruta.
Si te puede emocionar una imagen, si te puede impactar,
te puede producir muchas reacciones muy diversas.
Ahora, yo no sé si disfruto o padezco cuando veo un cuadro,
una pintura o unas imágenes que me puedan interesar.
Son dos lenguajes distintos y yo creo que producen efectos distintos
en quien disfruta de esos lenguajes.
-La manera de escuchar música cambia con el tiempo y, además,
cada época tiene su sonido, ¿ocurre algo así con la pintura?
-No, no tanto.
Hay corrientes que han cambiado la forma de entender la pintura,
pero han sido corrientes
no tan aplicables a la cronología del tiempo.
La pintura o es buena o es mala, como también la música.
Para mí no hay más que dos tipos de música, la buena y la mala.
Lo importante es que esa propuesta, ya sea musical, ya sea gráfica,
logre ser atemporal.
Que incluso pasando un tiempo cobre más valores, de eso se trata.
Desde hace un tiempo, los CDs son muy pequeñitos,
te voy a preguntar ¿echas de menos el vinilo?
-Pues sí, muchísimo.
Te puedo decir que empecé a escribir canciones,
un poco por el impacto de las portadas de los vinilos.
Ese formato grande que remitía más a libros de arte que a discos.
Creo que puede haber una relación muy directa entre...
un poco lo que te decía antes, allí donde acaban las palabras,
donde acaba la música, donde acaba el sonido,
empieza la imagen, empiezan las formas,
empieza la textura y viceversa.
-Con motivo de un disco homenaje que se te ha hecho,
has preparado un cortometraje llamado "Vincent y el gira luna",
¿nos podías contar algo de este trabajo?
-El disco es un CD y un DVD con un cortometraje de 30 minutos
y es una película dibujada y animada, de una forma muy primitiva,
como lo hice también en el disco anterior,
"El niño que miraba al mar",
y en un largometraje que hice hace años, "Un perro llamado dolor".
Son dibujos a lápiz con una animación muy primitiva,
muy rústica, hecha aquí en casa,
es cine familiar, con ayuda de mi hijo,
y, bueno, ahí están canciones, música, letras e imágenes.
De alguna forma este disco es un poco...
síntesis de esto que estamos hablando.
-En alguna ocasión, en alguna entrevista,
si no me equivoco, has comentado que el rap
puede ser considerada la nueva canción protesta.
¿Crees que ocurre algo parecido con el graffiti, en la pintura?
-Sí, claro.
El hip hop es una manera de expresar a través de imágenes
el tiempo que nos ha tocado vivir, sobre todo, a una generación.
Ya son varias generaciones que hacen graffiti.
Yo creo que el rap... que no hay cantautores,
los nuevos cantautores son los raperos.
-¿Y te interesa el graffiti como pintura protesta?
-No me interesa demasiado, sobre todo, porque...
cada vez hay más grafiteros que indagan por otros mundos de imágenes
y eso creo que está bien,
porque hay una especie de repetición de iconos,
son muy repetitivos.
Entonces se agradece cuando, de repente, hay un gran mural...
donde hay imágenes diversas, más originales.
Pero bueno, es el lenguaje de la calle, está en los muros,
y ahí hay uno que es un artista de una enorme relevancia, que es Banksy.
Banksy es un gran artista
y no hubiera existido sin el hip hop y sin los muros de la calle,
y es un auténtico creador.
-Hoy estamos en plató con Cristina Narea,
cantautora, músico, artista plástica, poeta.
Nació en Chile, ha vivido gran parte de su vida en Madrid,
ha colaborado con muchísimos artistas
como puede ser Aute, Sabina, Manolo García y un largo etc.,
y en común con otros artistas como puede ser Aute,
el hecho de tener varias facetas artísticas en tu vida.
Y, en algún momento dado,
toman contacto, como es el arte plástico y la música.
Concretamente en tu último disco te has hecho cargo de la portada,
usando la técnica del collage,
con la que llevas trabajando ya bastante tiempo.
-Tener esta relación, este hilo que tú dices
con el gran, el inmenso creador que es Luis Eduardo Aute,
con quien tengo el placer, además, y el regalo
de compartir escenarios desde hace muchos años,
para mí es maravilloso.
Comparto esa visión plástica,
lo que pasa que él es un pintor y un dibujante de tomo y lomo,
de una categoría altísima,
y yo, simplemente, el collage ha sido una herramienta
para poder quitarme un poco la frustración o las ganas
de ser pintora, que tuve desde chica,
porque no sé pintar, porque no sé dibujar y el collage,
a través de esta técnica ancestral, que es la del recorta y pega,
me ha permitido crear mundos imaginarios
o mundos como yo quisiera que fueran,
o imágenes que se me han quedado plasmadas en la memoria,
de la vida cotidiana, o cosas que ves en noticias,
y las plasmo en el collage.
En ese sentido,
sí tiene algún paralelo con la canción que cuenta algo.
-Háblanos de tu último disco, a nivel musical.
-Bueno, "Huesos de mar" ha sido...
todo un empeño de buscarme, de reencontrarme,
porque yo, como decías, nací en Chile,
pero tengo esta cosa del mestizaje muy metida en vena,
porque he viajado mucho, he conocido muchas cosas.
Tengo como dos mundos paralelos,
conviven dentro de mí y, a través del paso de los años,
he necesitado una cierta identidad de donde vengo.
¿Soy sudamericana, soy sudaca o soy de la península?
Esta serie de búsqueda, o de preguntas, casi adolescentes.
Nunca es tarde, para mí llegó el momento.
Y, a través de la música, intenté fusionar...
lo que es el folklore, el sonido de la raíz...
sudamericana, latinoamericana, en concreto, el folklore chileno,
desde la canción de autor,
que es la que yo vengo practicando desde hace años.
Y con ese rollo que yo le pongo, esa armonía un poco jazzera,
y esa impronta rockera, en fin, con esa fusión.
Eso es "Huesos de mar", un poco resumido.
-Hace poco has presentado una exposición llamada "Colibrí",
con una colección de collages.
-Sí, el colibrí es un pajarillo muy particular,
creo que es el pájaro que tiene mayor cantidad de pulsaciones,
para su tamaño tiene un corazón con un funcionamiento espectacular.
El colibrí, para mí, representa ese viaje,
esa grandeza, esa mirada a la naturaleza,
y, bueno, he disfrazado a los colibrís a mi antojo.
Hay un colibrí escritor, poeta,
hay un colibrí viajero,
un colibrí músico, un colibrí sensual,
hay un colibrí erótico.
Bueno, hay un montón, hay un colibrí "collachista",
hay un colibrí en homenaje a Gaudí, imitando un poco su obra plástica
y la presenté en Los Molinos,
hicimos un concierto, cosa que me encanta hacer,
mezclar lo que es la exposición,
tener los cuadros, los collages colgados...
recitar o leer algunos poemas y continuar con unas canciones.
Bueno, ya sabes que nosotros, los cantautores,
intentamos buscarnos la vida como podemos,
porque, realmente, hay muy poco hueco...
y quizás por las distintas propuestas que damos,
vamos encontrando esos espacios que...
el sistema intenta negarnos una y otra vez.
Pero nosotros somos, no como los colibrís,
como los pájaros locos estos que...
golpeamos y rompemos la madera y rompemos el muro
para poder traspasar y llegar con nuestra propuesta.
-¿Podrías hablarnos del proceso creativo,
cuando uno desarrolla un collage o cuando uno desarrolla una canción?
¿Van de la mano, son dos procesos parecidos,
se mezclan, son independientes, es como un pluriempleo?
Yo lo único que tengo claro a día de hoy,
es que es una responsabilidad más que otra cosa,
porque, para mí, por ejemplo, hacer collage,
es algo absolutamente lúdico.
Me lo paso pipa, me lo paso bomba.
Es decir, pasaría muchas más horas
y, realmente, ahí me pasa algo que no me pasa con la música, ahora,
que se me pasa el tiempo sin darme cuenta.
A veces, con las canciones,
cuando estoy metida ya en un proyecto,
voy trabajando y va esa bola creciendo, creciendo y creciendo.
Cuando termina, por ejemplo, "Huesos de mar",
te quedas ahí un poco...
y tú lo sabrás como creador que eres,
te quedas un poco ahí en el precipicio
que no sabes si vas a volver a componer, si no,
caigo en el collage, entonces voy ahí, ese es el proceso.
Mientras tanto, sigues escribiendo,
y ahora estoy metida en otro invento que está muy, muy verde,
pero que sí voy a compartir con vosotros,
que es la creación de una cantata sobre la tierra,
cantata de agua y tierra o algo así, no tiene el nombre definitivo,
inspirada en un contacto que he tenido hace nada en la Expo de Milán,
con campesinos de Chile, con indígenas,
quechuas, aimaras y mapuches,
que me han dado un repaso y una lección
de lo que es el contacto con la tierra,
que, desde luego, fue como ir a la universidad,
en clases intensivas, durante dos semanas.
Y, bueno, quiero meterme en este proyecto,
donde se mezcla la canción, la poesía, el canto, lo coral.
Está en idea, algún esbozo, todavía queda un camino largo.
-Y, por lo pronto, ¿qué nos vas a cantar hoy?
-Me gustaría cantaros un tema que se llama "¿Cuál es la ley?",
que está en "Huesos de mar", aunque ahí está con piano y voz,
yo lo voy a hacer con guitarra.
Es un tema que hice en México,
bastante decepcionada por las multinacionales,
por el meneo de los contratos, la ley, el contrato y la claúsula,
que todo, al final, les da exactamente igual
y juegan un poco con tu sensibilidad y con tus emociones,
y salió esta canción que se llama "¿Cuál es la ley?"
-Pues, nada, escuchémosla. -Fantastico. Muchas gracias.
-Muy bien. Vamos allá.
Cuál es la ley si todo debe continuar,
prefiero tener ganas de ver mi sueño llegar,
nada que perder hay algo más fuerte que la fe
es estar de pie, manos abiertas a dar y tener.
Ángeles diablos perversos y niñas y grandes pequeños
entre ciudades estamos en jaque con el universo,
hambre y socorro en la calle y gente que de eso ni sabe,
así es la historia y no viene a cuento sentir que nos vale.
Y dónde poner todo lo que no sale bien
en una caja sin candado y mirarla otra vez,
y toda la ley el bien el mal
lo que hay que hacer va siempre dentro
y lo perfecto es dejarlo correr.
Ángeles diablos perversos y niños y grandes pequeños
entre ciudades estamos en jaque con el universo,
hambre y socorro en la calle y gente que de eso ni sabe
así es la historia y no viene a cuento sentir que nos vale.
Y cuál es la ley,
cuál es la ley...
cuál es la ley.
Cuál es la ley.