Una vez más nos encontramos en un edificio que yo quiero mucho.
Lo quiero por muchas razones, porque es un poco mi casa,
donde hice algunos estudios musicales
y, además, porque aquí tengo grandes amigos.
Con uno de ellos vamos a hablar hoy.
Con Víctor Pliego.
-Querido Víctor, muchas gracias por acompañarnos
en este programa de televisión educativa de la UNED.
-Buenos días, muchas gracias.
-Víctor es catedrático de Historia de la Música,
gran escritor, crítico y, además,
una persona que quiere estar aprendiendo constantemente.
Yo podría hablar algo de Víctor en cuanto a sus aprendizajes.
Ha hecho una tesis doctoral preciosa,
y por eso es un doctor con una calificación amplia
y la que se merecía.
Querido Víctor, insisto, nos habéis permitido estar,
una vez más, en esta casa,
concretamente en este lugar tan emblemático,
el Museo de Instrumentos.
Pero yo quisiera hacerte una pregunta.
Tu vida está repleta de retos, retos educativos fundamentalmente,
hoy nos encontramos para hacerte unas preguntas respecto a estos retos.
¿Qué crees que ha supuesto para ti
convertirte en productor de algunas obras musicales importantes,
como por ejemplo, la que vamos a hablar hoy en este programa?
¿Qué ha supuesto?
-Yo me dedico a la enseñanza musical,
y la música es también algo que tiene que ver con el teatro,
la música se interpreta y necesita público.
Para nuestro proyecto educativo
es muy importante ese contacto con el público,
de nuestros trabajos, de nuestras interpretaciones,
de que nuestros alumnos puedan llevar las cosas a escena,
y ya desde hace muchos años,
gracias a los centros en los que he estado trabajando,
hemos podido abordar distintas producciones.
Producciones que casi siempre suelen ser de ópera,
pero que también pueden ser de otros géneros musicales.
Producciones en las cuales, gracias al trabajo en equipo,
uniendo los recursos que ofrecen los centros públicos
de enseñanza musical de Madrid, hemos podido hacer espectáculos
que tienen una factura verdaderamente profesional.
Nuestro objetivo no es hacer una producción comercial,
nuestro objetivo es culminar un proceso educativo
y que los alumnos puedan insertar lo que es su aprendizaje
dentro de una experiencia vital.
No es lo mismo aprender en el aula, y eso lo sabes perfectamente,
que salir también fuera del aula
y llevar ese trabajo que hacemos en el aula a nuestro público,
que suelen ser los padres, los amigos, los colegas,
aunque también tenemos algunos admiradores.
-¿Por qué una ópera barroca?
-Ya hemos hecho varios ejemplos de teatro barroco
y esto tiene un par de explicaciones.
Primero, el punto en el que nacen estos proyectos,
que es la Orquesta Barroca del Conservatorio Profesional
de Música de Arturo Soria, de Madrid.
Es uno de los conservatorios profesionales más grandes
que hay en España, y dentro de su oferta educativa
incluye también instrumentos barrocos,
y ya desde hace unos años hay una orquesta barroca,
que lleva Marcelino García con mucho éxito,
y suelen dar conciertos de música, sin más.
Pero, en el barroco nos encontramos, también, con lo vocal.
Es muy importante, dentro de la estética barroca,
el hacer música, que haya instrumentos y voz,
y nos encontramos con la ópera y con el teatro.
Empezó él a montar algunas óperas,
yo vi que estaba ensayando, desde hace años, un "Dido y Eneas"
de Henry Purcell, y vi que lo estaba preparando...
y dije ¿pero, estás montando esto...? sí, sí, sí...
y ¿por qué no lo escenificamos?, y así empezó todo un poco.
Ellos preparan la parte musical, pero hacía falta, también,
preparar esta otra parte escénica,
y ahí es donde he colaborado y he buscado otros colaboradores
que han conseguido hacerlo,
y claro, el barroco se presta mucho a esto,
el barroco es la mezcla de todas las artes.
En el barroco mezclan la música, la poesía, el teatro,
la escenografía, el baile, la plástica,
todo está reunido en crear un gran espectáculo,
que realmente nace en esta época, que se llama ópera.
Así que nos hemos visto ya en esto de hacer varias óperas barrocas,
en colaboración con esta orquesta.
Aunque, desde luego, hay otros muchos centros que también,
en los últimos años, están haciendo teatro musical,
no es algo exclusivo de Arturo Soria, porque lo conozco más de cerca.
En otros muchos centros, no sólo de música,
sino también de educación secundaria y primaria,
últimamente hacen musicales, y hacen teatro musical,
y hacen espectáculos magníficos con niños,
con maestros, con adolescentes.
Creo que esto pertenece a una corriente más amplia,
de esa conciencia de lo que te decía en la respuesta anterior,
de que la enseñanza no se debe acabar en el aula,
hay que llevarlo fuera del aula y convertirlo en una experiencia,
que a mí me consta que para todos los participantes,
luego es una experiencia inolvidable a lo largo de toda su vida.
Y con eso tenemos la certeza de que ese aprendizaje
les va a quedar, también, para siempre.
-¿Por qué Händel?,
y cuáles son los atractivos que tiene hoy éste autor
para que guste al público en general.
-Händel es, realmente, uno de los grandes genios del barroco,
de esa primera mitad del siglo XVIII,
y es seguramente el más grande de los operistas
que ha sobrevivido y que hoy sigue en cartelera.
Hoy se sigue haciendo mucho Händel por doquier,
y ¿qué explicación tiene esto?
Por un lado, que era un genio, con un talento musical desbordante
y una capacidad para inventar armonías, melodías, impresionante.
Tú oyes sus melodías, sus arias, y te siguen gustando,
y siguen gustando a todo el público.
No hace falta ser un experto
para conmoverse oyendo esta música maravillosa de Händel.
Pero, luego, también, en él se da una singularidad,
él es un hombre muy, muy internacional,
que se va a mover por toda Europa.
Su nombre nos delata su origen alemán, es alemán,
pero luego viaja por Italia,
se impregna absolutamente del estilo italiano,
que es donde nace la ópera y donde está la vanguardia,
lo mezcla con el saber hacer y la profundidad de los alemanes,
pero va a acabar sus días en Inglaterra,
incluso nacionalizándose inglés
y haciendo óperas para un nuevo espectáculo,
destinado no ya a la nobleza sino a la clase media,
a esa clase media que está surgiendo en Inglaterra
y que va a impulsar unos cambios políticos muy importantes,
que es el germen de las modernas democracias,
esa clase media que va a ir gobernando
de una manera cada vez más activa.
Él es un hombre cosmopolita, internacional,
que coge la mejor síntesis de los aportes
de todas las naciones en este periodo.
Él es muy pragmático y sabe, con mucho instinto,
captar de cada país lo mejor, y aprovecharse de todo ello
para hacer unas obras que siguen siendo un gran éxito,
y que siguen despertando toda la pasión entre el público.
-¿Qué o cómo se podría definir, hoy, la ópera barroca Rinaldo?
-Es una ópera, cómo todas las de Händel y las de este periodo,
que son una perfecta mezcla de teatro de texto dramático, y de música.
Es una música pegadiza, maravillosa, con sus arias,
sus interludios para orquesta, su obertura, en fin,
toda esa parte estrictamente musical,
pero, también, con un texto muy, muy interesante,
en el cual vamos a encontrar pasiones,
ambición, luchas por el poder, amor,
lealtades, traiciones, todos esos elementos,
que son las grandes pasiones,
que siempre forman parte de estos entramados.
Es una ópera muy larga y complicada,
y eso, cuando la empezamos, era un reto.
Dura más de tres horas,
y teníamos la duda de si hacer algo más breve,
acortarla, y finalmente la hicimos prácticamente entera,
con un espectáculo que duró más de tres horas,
y nos daba un poco miedo de si eso iba a llegar al público de hoy,
si lo iban a entender,
si iban a ser capaces de aguantar la función,
y la verdad es que lo aguantaron muy bien gracias a esas virtudes,
a que es una música irresistible
y a que la historia, también, mantiene el suspense bastante.
-¿Qué tipo de reto o desafío te haces a ti mismo en cuanto al autor,
la época, el tratamiento que habéis hecho de la obra,
todo lo que supuso hacer esta ópera para el autor, etc.?
-Es un reto que no es sólo personal, es un reto colectivo.
El reto, muchas veces,
es encontrar los colaboradores y ponernos de acuerdo.
Y esto es también algo que, a veces, en la enseñanza,
no estamos muy acostumbrados,
porque cada profesor hace lo que quiere en su aula,
y a veces, hay muchos profesores
que casi no tienen ningún trato con los demás,
más que el de pura cortesía.
Y esto implica meterse en un proyecto colectivo.
El implicar a los demás.
Entonces, con independencia del título que se trate el reto es,
sobre todo, conseguir coordinarnos entre todos
y atender los objetivos que cada profesor tiene.
Los que intervienen pueden ser de instrumentos,
pueden ser de canto,
en otras ocasiones hemos colaborado con alumnos de danza,
con alumnos de teatro,
con alumnos de las áreas técnicas también.
Entonces, se trata de en un proyecto de este tipo,
equilibrar las necesidades que las distintas áreas presentan
y conseguir satisfacerlas en la medida de lo posible.
Hay mucho de negociación y hay mucho de conversaciones.
Entonces, no es un proyecto estrictamente personal
y ahí el papel que muchas veces tengo que hacer es de interlocutor,
de coordinador entre las distintas áreas.
Como es ya una tarea que llevamos haciendo varios años,
esto cada vez es más sencillo, porque ya hay precedentes,
ya tenemos la experiencia de años anteriores,
ya sabemos lo que cada uno busca
y cuáles son los caminos para llegar a un resultado conjunto.
-¿Cuáles son los pilares sobre los que tú crees
que el autor hace mayor hincapié?
Y, lógicamente, vosotros, al producir esa obra,
habéis tenido que tener en cuenta.
-Bueno, es una ópera que parte...
y en nuestro proyecto, sobre todo, del trabajo con la orquesta.
Lo primero que se hace y que se prepara con más antelación
es buscar las partituras y empezar a ensayar con los alumnos
que van a tocar la parte musical, después vienen los cantantes.
Hay estos dos grandes pilares: la orquesta y los cantantes.
Y ya cuando la orquesta está un poquito adelantada,
ya se empieza a trabajar con los cantantes,
que también trabajan independientemente,
trabajan mucho con el bajo continuo,
que es un grupo reducido de instrumentos,
con los cuales van ensayando los recitativos
y cuando ya la cosa está más avanzada,
empezamos a hacer los ensayos conjuntos
y empezamos ya a unir estos dos grandes pilares que serían:
la orquesta y los cantantes.
Y cuando ya tenemos la parte musical-interpretativa
suficientemente asegurada, empezamos con el trabajo teatral.
En este caso, en el "Rinaldo" que hicimos en 2014,
contamos con la colaboración estupenda de Felícitas,
una mujer que es directora de teatro
y que realizó un taller con los cantantes,
y que fue trabajando toda la puesta en escena,
también, progresivamente, en esa última fase,
que luego ya incluye también el preparar vestuario,
escenografía, puesta en escena, iluminación, regiduría,
para llegar finalmente a la representación.
Así que, son muchos los elementos que hay que coordinar,
pero como fundamentales: la orquesta y los cantantes.
-Este es, una vez más, un trabajo interdisciplinar,
por lo tanto, un trabajo de equipo.
Algunas de las cosas que tú haces,
tienes perfectamente claro que tienen que ser así: trabajar en equipo.
¿Cómo os habéis repartido las tareas?
-Sí, esto es un trabajo que hay que programar,
como estaba explicando, con mucha antelación.
Y, desde luego, cada uno se tiene que dedicar a lo suyo,
los músicos a tocar, los cantantes a actuar y cantar,
pero, también hay otras áreas que intervienen
a lo mejor no directamente, por ejemplo,
los que están en la orquesta se preocupan de dar las notas
y tocar sus pasajes, pero es muy importante
que convivan también con los cantantes, con las luces,
con el teatro, con los técnicos
y que aprendan a conocer que detrás de un espectáculo
no sólo están los artistas que dan la cara,
y que cuando tú llegas a tocar en el atril en una orquesta,
hace falta que alguien haya puesto el atril,
que alguien haya colocado la luz,
que todo eso esté preparado y ajustado.
Entonces, es una experiencia
que le sirve también para ver lo que es el mundo profesional,
donde van a tener que trabajar con otros profesionales,
y entonces van a estar acompañados
de todo eso que hay por detrás del escenario,
que está en el foso, que hay en los camerinos,
y eso forma parte del proceso educativo.
Aunque los músicos y los cantantes son muy especializados
y se concentran mucho en su territorio,
es importante que tomen conciencia
de que para que su trabajo tan especializado luego pueda lucir,
necesitan de todos estos otros recursos
que rodean una producción escénica.
Entonces es un trabajo interdisciplinar
que tiene que ver también
con lo que va a ser luego una práctica profesional,
a lo mejor no todos,
pero hay algunos de estos alumnos que acaben trabajando en un teatro,
en un teatro de ópera, de zarzuela, de teatro musical,
y cuando lleguen, nosotros ya sabemos,
que van a conocer un poco los códigos,
y van a conocer el resto del personal que les va a rodear,
y se van a insertar con mucha comodidad
y mucha facilidad en ese entorno profesional.
Alguno, a lo mejor, luego se dedica a otra cosa,
o a la enseñanza, o a la musicología o a la crítica,
y en todo caso el haber tenido esta experiencia,
pensamos que es una aportación también humana muy, muy importante
para saber trabajar en equipo
y saber que cuando trabajas hay otras personas alrededor.
-En estos últimos tiempos estamos asistiendo
a algunos estrenos operísticos,
y desde luego, lo que sí te puedo decir
es que me ha llamado la atención el uso o, yo diría,
el mal uso que se hace de cambiar la temporalidad de las óperas.
¿Tú crees que esto favorece o, de alguna manera,
anula lo que es el origen y lo que pretendía el autor.
-Esto es una moda.
Es una moda que ha surgido en el último siglo
desde que aparecieron ya los directores de escena.
Y los directores de escena se han cansado de repetir siempre
la misma puesta en escena,
siguiendo los tópicos que estuvieron en vigencia durante siglos,
y han empezado a renovar la puesta en escena.
A veces, la renovación da resultados fantásticos
y es posible hacer algunos de estos cambios,
pero es cierto que hay otros que son un fiasco.
Es difícil anticipar si va a ser un éxito o no,
un cambio de este tipo.
Así que, en alguna medida,
hay que arriesgar para ver a donde se llega
y poder ir innovando las puestas en escena,
si bien es verdad que se ha abusado muchas veces
y se hacen cosas que no siempre gustan al público,
se hacen cosas que, a veces, lo que provocan es un escándalo.
Y a veces los teatros lo que quieren es provocar un escándalo,
porque es la manera de conseguir cierta relevancia mediática.
Por desgracia, si haces algo sencillo y razonable,
casi pasa desapercibido, y cuando haces una cosa escandalosa,
que lo abuchean y no sé qué, parece que adquieres más notoriedad,
y eso también tiene un precio, y también es un valor que hoy,
a veces, se persigue, el escándalo por el escándalo.
Eso forma parte de este mundo teatral.
Nosotros, en nuestras producciones, no queremos nunca escandalizar,
obviamente, y somos bastante ortodoxos.
El lenguaje moderno lo incorporamos en la medida en que nos facilita,
también porque no disponemos de recursos
para hacer un vestuario histórico maravilloso,
hacemos un vestuario más de fantasía, pero que,
de alguna manera, respete el espíritu de la época.
Entonces, siempre queremos respetar mucho la partitura,
respetar mucho el texto,
eso desde el punto de vista de los intérpretes,
para profundizar en la comprensión
de lo que es la obra dentro de sus coordenadas.
Entonces, como experiencia pedagógica,
no arriesgamos en exceso
más que lo necesario para que la producción sea viable.
Aunque hemos tenido en alguna ocasión,
colaboraciones con escenógrafos o con alumnos de escenografía
que han hecho cosas un poco más modernas
y han resultado también muy interesantes.
-Este precioso y, sobre todo, complejo trabajo,
se estrenó el 8 de mayo de 2014, es que soy una optimista.
¿Cómo crees tú que respondió el público de hoy,
ante una ópera de ayer?
-El público reaccionó estupendamente y aguantó muy bien las tres horas,
como contaba antes que es una ópera muy larga, muy extensa.
Lo llevaron muy bien y, en gran medida,
creo que ayudaron también los sobretítulos,
para seguir y comprender bien la historia,
en esta producción pusimos sobretítulos.
Y luego hay que decir que el acabado está hecho con mucho cariño,
con mucho tiempo, y es un resultado absolutamente profesional,
es un espectáculo que tiene un nivel artístico equiparable
al de cualquiera de los teatros comerciales de Madrid,
sin ser un producto comercial,
no renunciamos para nada a la calidad.
-Querido Víctor, el tiempo se va acabando,
debemos de ir terminando,
pero yo no me quiero ir de este lugar maravilloso,
sin darle especialmente las gracias a Víctor en nombre de la UNED
y en el mío propio y, además, decirte:
por favor, te lo pido por favor, sigue con esta ilusión,
con estos retos que te propones,
con esta manera de favorecer la música,
porque algunos ya vamos cansándonos y gente cómo tú, joven, vital,
debe de tomar la antorcha,
que ya la tienes tomada hace mucho tiempo,
y continuar un precioso trabajo.
Siempre gracias, Víctor, de todo corazón.
-Ha sido un placer, muchas gracias a ti, Pilar.