Dentro de las actividades recientes del Museo Thyssen Bornemisza,
queremos destacar la exposición titulada "Realistas de Madrid".
En la muestra pudimos contemplar obras de Amalia Avia...
Antonio López...
Francisco López...
Julio López...
María Moreno...
Esperanza Parada...
e Isabel Quintanilla.
El grupo de investigación de la UNED,
liderado por Amparo Serrano de Haro,
"Pintoras Españolas Mujeres del siglo XX",
nos explica las características de algunas de las obras.
La exposición de "Realistas de Madrid"
enlaza con una tradición que se asocia a la escuela española,
sobre todo, desde el siglo XIX, pero que...
se sitúa, normalmente, en la época barroca,
y es el arte español como un arte de realidades,
un arte realista.
Sin embargo, además de las distintas objeciones
que se podría hacer a esto,
lo interesante es cómo cada generación, históricamente,
va transformando esa noción de realismo
para dar un realismo peculiar,
o una noción de lo que es la realidad distinta,
aunque la realidad sea siempre la misma.
Y otra característica de este grupo de Realistas Madrileños es...
esta sensación de silencio,
esta sensación, en cierto modo, de encierro,
de mantenerse al margen, que era también porque...
son los años del silencio, como dice Martín Santos, es decir...
posteriormente ellos sobreviven y viven la España posterior,
la España de la transición, la España de la muerte de Franco,
la España democrática...
pero, en su origen, viven todo ese periodo de censura que les hace...
yo creo, un arte muy volcado hacia adentro que se puede ver,
por ejemplo, en el uso de las ventanas...
de las ventanas, de los espacios, de los umbrales...
hay un mundo exterior que puede resultar ajeno,
y un mundo interior.
También, por supuesto, es una posición poética,
es una posición artística de mirar hacia adentro
y, cuando ellos salen afuera, cuando salen a la ciudad,
que también ocurre,
es una ciudad desierta, es una ciudad de edificios,
es una ciudad... en que no se siente el pulso de la población,
y yo creo que, originalmente, se debe...
a esta formación durante el franquismo
que les reduce a una introspección, a un silencio,
y a un mantener sus ideas en el ámbito de la más estricta intimidad.
Uno de los elementos interesantes de esta exposición
es que están puestos, en paridad absoluta,
los cuadros de las mujeres del grupo de los Realistas Madrileños
y los cuadros de los hombres.
Y como podemos ver, precisamente, en este ejemplo de estos dos cuadros,
el primero, está más cerca, el de María Moreno, de los años 70,
y de su pareja en la vida real, Antonio López,
ambos, tanto cuadros de los artistas más conocidos
como de los más desconocidos,
de los artistas hombres y de las mujeres artistas,
tienen la misma calidad.
De hecho, creo que es imposible
que alguien que venga a esta exposición pueda distinguir,
simplemente mirando los cuadros,
si están hechos por un hombre o por una mujer.
Como vemos, además, son estilos bastante similares,
temáticas similares, trabajan todos la realidad del mismo modo,
y no hay ninguna forma de hacer una diferenciación por sexo,
y tampoco, realmente, por calidad, son todos de una alta calidad,
aunque algunos nombres resulten más familiares y más conocidos que otros.
Lo que es fascinante de estas dos obras que tenemos aquí,
es el uso que se hace de la luz y de lo que no está,
sobre todo, en ese sentido, en el cuadro de Antonio López.
Es decir, cómo una leve indicación de...
a lápiz, en este caso, puesto que son dos dibujos
y, también, una de las cosas valiosas de esta exposición
es que se han introducido muchos dibujos,
dibujos preparatorios o dibujos acabados,
y ahora, realmente, en el arte contemporáneo,
hay una vuelta al interés por el dibujo,
una vuelta tanto económica como de investigación estilística.
Son obras que están creadas en torno a la luz...
la luz es el protagonista de estas dos pinturas que tenemos,
una luz tratada con matices de añoranza,
con matices absolutamente realistas y con matices, también, de recuerdo,
pero... es la protagonista absoluta de estas dos obras.
De Antonio López,
uno de los artistas que configuran la exposición,
pudimos ver "Interior de váter"...
"Cuarto de baño"...
"Pasillo de Fernando Higueras"...
y "Lavabo y espejo".
En esta obra de Antonio López
que es tan conocida de "Lavabo y espejo", del año 1967,
nos encontramos con algo que suele gustar mucho,
que es lo que se considera un reflejo fiel de la realidad,
y, sin embargo, como todo el realismo, es engañoso.
La obra está partida en dos
y hay dos perspectivas distintas de lo que es este lavabo con espejo.
El espejo está tratado de forma frontal,
por lo tanto, debería de reflejar al pintor,
al que la está retratando y, sin embargo, está ausente.
Es verdad que el grupo de Realistas de Madrid
es un grupo lleno de ausencias, lleno de silencios,
como veremos en distintos cuadros.
Pero el caso es que eso se combina con una perspectiva...
caballera o en picado, que es la que caracteriza al lavabo.
Las dos no pueden coexistir en el mismo cuadro
y, de hecho, Antonio López, lo ha dividido en dos
y la banda está claramente indicada dentro del cuadro
y, sin embargo, la gente llega y dice "es totalmente real",
porque en cuanto hay una indicación mimética,
las personas dejan de ver.
El interés de reunir a estos artistas
en una misma exposición es ver sus similitudes, sus diferencias,
sus maneras de hacer...
Los siete artistas se formaron en Madrid
desde los inicios de los años 50,
estudiaron juntos en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
La pintora María Moreno nació en el año 1933,
por lo tanto, estuvo en la Guerra Civil de pequeña,
y esto abracaría mucho su tendencia pictórica,
debido a que de joven,
a los cinco años tuvo que, de alguna manera, pasar a Valencia,
donde vivió una época que ella recuerda con mucha satisfacción,
en plena naturaleza, la playa, la luz...
y todo eso lo vamos a ver reflejado en su pintura y en sus bodegones,
y en la forma de enfocar las figuras.
Pensemos que el bodegón ha sido un género típicamente femenino,
y un género secundario,
puesto que el hombre y el pintor, digamos, de oficio,
estaba dedicado más a los grandes temas.
Desde la época grecolatina
era mucho más importante pintar los hechos del hombre,
lo que era la historia, los hechos heroicos,
más que los pequeños detalles.
María Moreno es una pintora que en la posguerra tuvo una vida dura,
en el sentido de que Madrid era una ciudad oscura.
Ella fue muy introvertida,
se hizo un mundo interior muy importante "intramuros",
y ese mundo de intramuros es lo que reflejan sus obras,
en este caso, lo que estamos contemplando,
este "Bodegón de la sandía".
Miremos que en el "Bodegón de la sandía" que estamos viendo,
primero es un formato grande,
porque, generalmente, lo que son las naturalezas muertas,
son formatos pequeños,
y ella se atreve con un formato grande, porque se siente cómoda.
Y, ¿por qué se siente cómoda?
Porque está dentro de su intimidad el hacer esta clase de pintura,
donde la fruta... y el pescado que podemos ver,
todo está en vida latente,
los anglosajones hablan de "still life",
que significa "todavía vivo" o "todavía latente",
y María Moreno lo que hace es... más que hacer naturalezas muertas,
hace naturalezas inmóviles.
Todo lo que vemos aquí detrás está inmóvil, el pez incluso,
vemos que la sandía está cerrada, es como un huerto cerrado,
vemos que las frutas están cerradas, son frutas de proximidad,
probablemente, ha hecho la recogida del huerto,
porque ella vive en el campo...
bueno, vive en la ciudad, pero en una casa individual,
y aquí vemos que las frutas están todas cerradas
y puestas en una composición, digamos, renacentista, clásica,
porque ella estudió en la Escuela de Bellas Artes,
y el recogimiento de sandía, más todo lo que es el limón,
vemos aquí granadas en una copa de vino,
podemos observar también que está todo perfectamente simétrico,
y la sandía cerrada ocupa el centro.
Es muy importante lo de la sandía cerrada,
porque da esa sensación de intimidad que ella busca,
debido a que en los bodegones la sandía siempre está abierta,
porque los pintores aprovechan mucho lo rojo de la sandía,
desde Picasso hasta, incluso, Frida Kahlo,
para intentar dar una jugosidad, una pastosidad al cuadro,
que María Moreno, por su forma de ser,
por su forma de recogimiento, no pretende.
Pretende poner objetos sencillos, de proximidad,
y crear un ambiente intimista en su casa.
Aprovecha la luz de la ventana,
todos los realistas aprovechan la ventana para mirar hacia afuera,
o para que la ventana entre en la luz de sus cuadros,
y organiza el cuadro perfectamente,
en una perspectiva octogonal puramente renacentista.
Otra de las pinturas seleccionadas
por el equipo de investigación de la UNED, para su análisis, es...
"El comedor", de Amalia Avia.
Amalia Avia nació en Santa Cruz de la Zarza, provincia de Toledo,
en el año 1930, nos dejó en el año 2011, en Madrid.
Es una de las pintoras realistas más representativas
y pionera en su tiempo por...
haber sido capaz de poder realizar una carrera profesional,
en los años de la posguerra esto era algo bastante improbable,
dadas las limitadas posibilidades
que tenían las mujeres de acceso a la educación.
Amalia combinó su estancia entre su casa materna y Madrid,
y sus años de esplendor tuvieron lugar cuando...
en el año 1953, empezó en la Academia de Eduardo Peña,
y allí es cuando descubrió su vocación de pintora,
en ese momento decidió
que lo único que quería hacer era dedicarse a esto.
Su temática ha sido algo que ha identificado su pintura,
su potencial creador, y siempre ha sido muy fiel a sus temas.
Empezó realizando cuadros urbanos,
el tema de Madrid es algo que le va a apasionar,
ella se considera madrileña de corazón, aunque no de nacimiento,
de hecho, uno de su hobbies favoritos
era ir por las calles de Madrid a hacer fotos,
y de esas, luego, tomaba sus modelos para su pintura,
pero otro de los temas que más le gustó fueron los cuadros de interior.
El cuadro que tenemos tras nosotros, "El comedor",
es un óleo sobre tabla que Amalia Avia pintó en el año 1987,
y es un cuadro muy especial,
porque es un cuadro que representa ese interior que ella vivió,
es un mobiliario que pertenecía a su casa materna, a la casa de Toledo,
y, posteriormente, se lo llevaron a Madrid.
En el año 2003,
tuvimos la oportunidad de hacer una entrevista a Amalia Avia,
y la tuvimos en este comedor, precisamente.
Este comedor estuvo hasta la actualidad en su casa,
en Condado de Treviño,
y digamos que, todavía, la mesa permanece en la residencia familiar,
en casa de los hijos.
El interior domestico
es uno de los temas preferidos para Amalia Avia,
pues evoca la relación que hay entre su familia,
su vida, su niñez, su pintura...
que arte y vida es algo que va absolutamente entrelazado
en la obra de Amalia Avia.
Es una pintora de fuerte personalidad.
A diferencia de otros realistas madrileños
opta por el uso de la fotografía, opta por una pintura más matérica,
por una pintura donde combina el tratamiento del óleo con la tabla,
la tabla le gusta, le encanta el uso de la madera
porque le posibilita más fuerza, más expresividad,
al igual que combinar el uso del óleo con algunas técnicas mixtas,
esto es algo que aprendió, también,
en su relación creativa con Lucio Muñoz, su marido.
Amalia Avia dedicó 50 años de profesión a la pintura
y supo combinar, de manera admirable,
su profesión con su vida personal,
con el nacimiento y la crianza de sus cuatro hijos,
y cuando escribió sus memorias, en el año 2011 fueron publicadas,
ella era muy consciente de que esta relación, arte y vida,
era indisoluble para ella.
De la artista Isabel Quintanilla pudimos contemplar "Granadas"...
"La lubina"...
"Repisa de baño"...
"Cuarto de baño"...
"El teléfono"...
"La noche"...
y "Jardín", entre otras.
El cuadro elegido para su análisis es "Habitación de costura".
Isabel Quintanilla es una de esas mujeres
que consiguieron triunfar y desarrollarse
en una profesión que no era la más indicada para una mujer.
Las mujeres fueron fundamentales en su vida,
porque fue su madre, precisamente,
quien la apuntó a las clases de dibujo con Trinidad de la Torre.
Luego, otras profesoras continuaban cuando Trinidad no estaba,
que eran Maruxia Valero, Conchita Gutierrez y Marisa Roësset.
Va a la Academia de Bellas Artes de San Fernando en el año 1953,
y allí coincide con el resto de los componentes del grupo de Realistas,
se casa con uno de ellos, con Francisco López, en el año 1960,
y se van a Roma.
Roma es decisiva en la vida de Isabel,
y es donde se define su trayectoria artística.
Queda impresionada con las pinturas pompeyanas
y quiere que sus pinturas sean también un documento
de la vida de la gente de su época, y lo consigue.
Y de estos interiores, precisamente, porque...
los pinta así porque están ahí, atiende al detalle,
como es el suelo ajedrezado, que es muy difícil de pintar,
y ella lo hace, además, sin utilizar bocetos ni dibujos previos,
pero tiene que ser así, y así se consigue el realismo.
Ella adquirió un compromiso importante con el realismo,
lo consigue porque cumple con dos requerimientos necesarios
para este movimiento artístico,
que son... la contemporaneidad y la veracidad.
"Habitación de costura" forma parte de esos interiores de Isabel
en los que se vive mucho.
Es como una especie de leonera que hay en todas las casas,
ahí ella cosía, planchaba, y jugaba su hijo.
En "Habitación de costura", junto con el resto de los interiores,
podría decirse que sirve como vehículo para explorar
la vida de una persona o de una familia.
El cuadro es como una especie de obra de teatro
en la que el argumento es la luz,
y esta luz es la que recorta y define los contornos
y la que crea una perspectiva central de punto único
que consigue efectos impresionantes.
Es la misma perspectiva que utilizaba Vermeet,
o que en la actualidad está utilizando Antonio López.
Es una perspectiva académica.
En "Habitación de costura",
la atención al detalle y esta realidad que consigue,
hace que la pintura de Isabel sea considerada dura y fría,
e incluso se la califica como una pintura hecha por hombres.
Ella, a pesar de que no se vincula a los movimientos
ni a las reivindicaciones feministas,
creemos que al conseguir que una mujer no sea solamente identificada
porque pinta formas suaves o redondeadas,
le está haciendo un servicio importante
al feminismo de nuestra época.
Cierra el análisis del grupo de investigación de la UNED
la obra "Después de misa", de la pintora Esperanza Parada.
Dentro del grupo de los Realistas de Madrid,
Esperanza Parada, nacida en 1928 y fallecida en 2011,
ocupa un lugar de excepción,
por la discontinuidad de su carrera artística,
ya que a partir de su matrimonio
con el escultor Julio López Hernández, y durante 30 años,
se va a dedicar a la pintura solamente de forma ocasional,
no profesionalmente.
Y también por su estilo, que se aleja de la objetividad
y de la búsqueda de la representación fiel de la realidad
que caracteriza al resto de compañeros del grupo.
Es por esto que su producción artística es muy escasa,
y también esta falta de profesionalidad y de ambición
han hecho que su obra sea más original y más independiente
que la del resto de miembros del grupo,
sobre todo porque ella simplifica el tema que representa,
y también por el uso de los colores,
ya que emplea unos colores mucho más fuertes y puros.
También es cierto que estas mismas circunstancias han hecho
que parte de la crítica y de la historia del arte,
la hayan calificado como una pintora amateur
y hayan puesto en duda su calidad artística.
Este cuadro se titula "Después de misa".
Es uno de los dos cuadros que se muestran en la exposición
de Esperanza Parada.
Lo pintó en 1959, cuando todavía se estaba formando.
Se trata de un óleo sobre lienzo,
es una combinación de bodegón y paisaje,
un tema habitual entre los Realistas de Madrid.
El cuadro está dominado por una gran ventana abierta,
que más que una ventana parece una fresquera de Sánchez Cotán,
en clara alusión al tema de la naturaleza muerta,
un tema muy importante de la historia del arte española.
Sobre el alféizar se apoyan una serie de objetos:
una maceta, un ovillo de lana, una panera...
hay un vaso con dos flores, un jersey, un misal...
todos ellos son objetos
que podrían encontrarse en el entorno del artista,
íntimos... y relacionados con la vida doméstica y femenina.
A través de la ventana puede verse un largo paseo de cipreses,
en el que la pintora introduce un marcado efecto de profundidad,
utilizando la perspectiva geométrica,
característica del primer renacimiento italiano
y... bueno, simplemente, volver a destacar estas características
particulares que tiene la artista,
su simplificación, sus colores... y nada más,
decir que a pesar de su aparente sencillez,
si se observa con atención el cuadro,
es de una gran complejidad,
por estas alusiones artísticas a las que me he referido antes
y, también, por el tema que representa,
es... el tema del paso del tiempo y la muerte.
La muestra incluyó 89 piezas
entre óleos, esculturas, relieves y dibujos.