Esta es Venecia en el siglo XVI, "El Cinquecento".
Época en que vivió Jacopo Robusti, "El Tintoretto".
Originario de Lucca, Tintoretto nació en 1.518,
unos años después de las Tesis Luteranas de Wittenberg.
Mientras Magallanes da la vuelta al mundo.
En medio de las contradicciones políticas de la República Veneciana.
Y a un paso de que el Concilio de Trento
fije sus decretos sobre el Arte.
Su juventud transcurrió en un clima de tensión perenne
entre fuerzas opuestas.
Francisco I, Carlos V.
Turcos, Venecianos.
Reforma, Contrarreforma.
Este mundo conflictivo es el que Tintoretto expresa en su pintura.
Por un lado, los valores clásicos renacentistas,
por otro, la anticipación al dinamismo Barroco.
En la forma, heredero de Miguel Ángel,
en el color, de Tiziano.
Toda su obra ilustra simbólicamente esta tensión,
este conflicto dramático.
El Museo del Prado
cuenta con la obra que quizá muestre mejor este dramatismo formal,
dentro de su aparente serenidad y equilibrio,
"El lavatorio de los pies".
La tela presenta un formato muy apaisado,
expediente típico de Tintoretto,
que intenta así, remedar un escenario teatral.
El tema tomado del Evangelio de San Juan,
está tratado de forma ortodoxa, tratamiento habitual en Tintoretto.
Pero es solo un pretexto
para expresar el clima de tensión en que vivió,
y que resulta el verdadero contenido del cuadro.
El tratamiento de la perspectiva,
nos introduce ya en este conflicto interior.
Utiliza la perspectiva central, pero en tres cuartos,
gracias al apaisamiento del cuadro,
abriendo el cono prospectivo a la derecha,
donde sitúa la escena temática.
Procedimiento que había utilizado Tiziano en "La Sacra Conversación".
Las arquitecturas y demás objetos se acomodan a ella.
Pero los apóstoles están situados en otra perspectiva.
Concebida en abanico.
Con eje en el perro tan "velazqueño",
y que el pintor español pudo admirar en El Escorial.
Ambos espacios se superponen, fenómeno conocido como "diopsía",
produciendo una impresión de cierto desasosiego,
pleno de sugerencias dramáticas, que recuerda a De Chirico,
o a los surrealistas.
Pero a la vez están claramente opuestos,
para insistir en la tensión interna de la obra.
La colocación de los principales personajes,
atrae la mirada del espectador hacia la anécdota.
Pero el movimiento centripeto del brazo de San Pedro,
que se continúa en el de Jesús,
y su vestido, nos conduce hacia el centro del cuadro,
abandonando lo anecdótico.
El personaje de la izquierda sirve de contrapeso formal,
y nos muestra la verdadera dimensión del escenario.
Mientras las líneas dinámicas aseguran el movimiento,
que recalca el apóstol que tira de la bota del compañero,
aumentando la profundidad.
Para que la tensión espacial gane en dramatismo,
es necesario introducir el tiempo,
lo que se asegura especialmente con el escorzo del brazo de Jesús,
que transforma el momento pregnante-instantáneo
en una representación que continua.
La expresividad de los apóstoles, personas muy concretas del pueblo,
se contrapuntea con el paisaje irreal e indiferente,
o con la rigurosa perspectiva central.
La luz apoya de igual modo estas contradicciones,
introduciendo nuevas situaciones de conflicto.
Así el paisaje, totalmente ideal,
que recuerda el Tratado de Arquitectura de Serlio,
viene separado por el pórtico,
gracias a potentes candilejas que le iluminan con viva blancura,
mientras que hacia la derecha,
la luz se transforma suavemente en tintes enfermizos.
O bien el paisaje, iluminado,
contrasta con San Pedro,
o esté con el Cristo,
que refleja una luz distinta de la paisajística,
esta luz sitúa a los personajes en su papel escénico,
y eleva a la Mesa Eucarística
a la categoría que exige la relación Lavatorio-Eucaristía.
Tintoretto ha pintado nueve cenas,
lo que demuestra su obsesión por el Misterio, contestado por la Reforma.
Otra luz que viene de arriba, deja el pórtico en sombra,
e ilumina la escena apoyando el carácter de representación.
El halo fantasmagórico protoplasmático
utilizado en otras obras, contrasta en esta,
con las cabezas tan concretas naturalistas que ilumina.
Aún hay otra luz
que muestra el interés del pintor por la iluminación teatral.
También el color viene a demostrar
el drama interno expresado por las contradicciones plásticas.
Los colores claros e irreales del fondo,
crean un ambiente de inmovilidad a lo Piero della Francesca.
Mientras que los tonos más calidos de los personajes,
nos acercan a la anécdota.
El contraste tonal de los apóstoles que se descalzan,
aumenta esta dinámica de contraposiciones.
Algunos personajes,
pero especialmente este apóstol con su pasividad e indiferencia,
insisten en que se trata de una toma de posición
ante un mundo de valores contrapuestos,
y no solo de una pintura religiosa.
Con este juego de contrastes tonales,
lumínicos,
espaciales,
temáticos,
el manierista Tintoretto
hace de las figuras de su obra personajes de un drama inacabado,
expone a través de una anécdota concreta,
la tensión del hombre moderno en la interpretación del mundo,
que el Tintoretto no hace más que presentar en un equilibrio objetivo,
que hace de esta obra, una lección de análisis dialéctico de la realidad.
En definitiva, una Obra de Arte.