Isenheim, en el siglo XVI, cobra una especial relevancia
gracias a la obra de Matthias Neithardt o Gothardt,
más conocido por Grünewald.
Grünewald nace en Wurzburgo hacia 1460 y muere en Halle en 1528.
Su vida oscilará entre el ambiente palaciego con Alberto de Brandeburgo
y el retiro solitario y melancólico,
que él mismo busca huyendo de la corruptela social y religiosa.
En su época se dan las ideologías y tensiones más encontradas.
Protagonizadas por Lutero y Melanchthon,
e Ignacio de Loyola, en lo religioso.
Tomás Moro y Erasmo en lo político.
Frente a Enrique VIII, Francisco I, Maximiliano y Carlos V.
En Alemania, a estas luchas se sumará la de los campesinos
frente a sus señores feudales.
Grünewald plasmará toda esta problemática en su pintura.
En la etapa de su formación,
de Holbein el Viejo tomará el color translúcido.
Será afín a Schongauer.
Y, recíprocamente, se interfluirá con Durero.
Su genio exagerado y tumultuoso
es capaz de expresar los sentimientos más excesivos y contradictorios;
la brutalidad y la ternura, la serenidad y el horror.
Su arte fue sucesivamente
realista, idealista, expresionista y surrealista.
Y su influjo llegará a Rembrandt en el claroscuro,
a Watteau en el color y a Picasso en el Guernica.
En la ciudad alsaciana de Colmár,
el Museo de Unterlinden custodia desde 1919
la obra maestra de Grünewald,
y una de las creaciones más poderosas y expresivas del arte alemán;
El retablo de Isenheim.
Este retablo es solo comparable, en la historia de la pintura nórdica,
con el de los Van Eyck en la Catedral de San Bavón de Gante
y el de los Pacher en la Iglesia de San Wolfgang.
El altar de Isenheim es un ejemplo de retablo móvil.
Dos tablas, de las cuatro móviles,
se decoran con el tema de la Crucifixión,
y en su reverso con el de la Anunciación y Resurrección.
Las otras dos, con el de la Encarnación,
y por detrás muestran dos escenas de la vida de San Antonio.
El altar completo presenta pues, sucesivamente tres caras.
La primer muestra la Crucifixión,
flanqueada por San Sebastián y San Antonio Abad
en los paneles laterales fijos.
En la predela; el llanto por Cristo.
La segunda cara muestra la Alegoría de la Natividad
y a los lados la Anunciación y la Resurrección.
La tercera muestra, a ambos lados,
los Santos Eremitas y las Tentaciones de San Antonio.
En la cavidad central, tripartita, las tallas obra de Haguenau.
En el Museo de Unterlinden,
el retablo aparece actualmente desmembrado en tres partes
para permitir la visión de ambas caras de cada postigo.
En Isenheim existía uno de aquellos conventos de San Antonio,
famosos como hospitales y centros de cultura.
En 1490 se encargo la parte escultórica del retablo,
y de 1510 a 1515
será requerido Grünewald por el preceptor Guido de Guersi
para plasmar la parte pictórica bajo su inspiración.
La basta representación de la Crucifixión
muestra un desenfrenado expresionismo
en la violenta desproporción de los personajes;
Cristo y el Bautista enormes, minúscula la Magdalena.
En el desequilibrio de la composición,
tres figuras a la izquierda frente a una a la derecha,
y por último, expresionismo en el contraste de actitudes,
a la impertérrita calma del Bautista
se contrapone el grupo de dolientes a la izquierda.
El color en esta tabla se identifica con el tema.
Es sobrio aunque vivo,
haciéndose ingravidez en el blanco de la Virgen,
y en el rojo de San Juan, corporeidad.
Iconográficamente,
en la representación habitual de la Crucifixión,
derivada de la déesis bizantina,
Cristo aparece acompañado de San Juan Evangelista y la Virgen,
como vemos en las crucifixiones de Basilea, Washington y Karlsruhe.
En el retablo de Isenheim
se introduce además, la figura de San Juan Bautista,
que responde a la finalidad taumatúrgica del retablo.
La representación de las tablas de ambos lados
corresponde a San Sebastián y a San Antonio.
San Sebastián constituye el único desnudo en la pintura de Grünewald,
a excepción de los crucificados.
Denota la influencia italiana y hace recordar el joven San Sebastián
de El triunfo del César de Mantenga.
Los ángeles de Grünewald, que llevan la corona al mártir,
recuerdan los amorcillos de La Galatea de Rafael en la Farnesina.
Por el contrario,
San Antonio es fruto del espíritu nórdico e instintivo del artista,
denotando, en la cabeza del Santo, la influencia de Durero.
En inmediata contraposición aparece la segunda cara del retablo,
donde triunfa la alegría,
la cual se desarrolla con una riqueza sorprendente de colores.
Las diversas escenas pintadas se subordinan a las tres principales;
la Virgen de la Espera bajo el pórtico del Templo de Salomón,
que une el Antiguo y Nuevo Testamento,
el éxtasis de la madre con su hijo
y el Concierto Angélico, que crea un clima de serenidad.
La Virgen, una mujer típicamente alemana,
parece eco de la de Martín Schongauer en San Martín de Colmár
y de la Virgen de los Animales, de Durero, hoy en la Albertina de Viena.
Dos tablas laterales completan este ciclo glorioso;
la Anunciación y la Resurrección.
La Anunciación, aunque llena de vehemencia,
está más cerca de los modelos tradicionales.
Un arco fajón, apuntado, remata el triángulo total de la composición.
La vertical, nacida del centro de la bóveda,
y que pasa por la mano del Arcángel,
llega al libro que contiene la profecía de Isaías.
El paralelismo de posición, entre el ángel y María,
manifiesta la aceptación de la Virgen.
Toda una serie de líneas perspectivas
apuntan a la mano del ángel,
cuyo mensaje constituye la parte principal.
La claridad del fondo disminuye en el primer plano,
hasta quedar la Virgen y el ángel en contraluz.
El problema del contraluz,
ningún artista antes de Grünewald había osado abordarlo.
La representación de la Resurrección se conexiona con la Anunciación.
Grünewald quiso expresar, no solo la Resurrección,
sino también la Transfiguración y Ascensión.
El Cristo radiante, contrapuesto a la gravedad física.
El naturalismo quattrocentista de Piero della Francesca
lo representó como un hecho físico.
Aquí la visión se expresa como un fenómeno luminoso.
Solo Rafael, en la Transfiguración de la Pinacoteca Vaticana,
puede sostener la comparación con la obra maestra de Grünewald.
Los círculos, que envuelven la figura de Cristo,
aluden a la representación del tiempo y simbolizan la eternidad.
La última cara, junto a la grave estatuaria de los Santos Patronos,
presenta dos escenas de la vida de San Antonio.
Una, nos muestra un sombrío drama; las Tentaciones de San Antonio.
La salvaje visión,
está poblada por horribles monstruos desenfrenados contra el Anacoreta.
Todos forman una apiñada elipse en torno a él.
El cual constituiría una de sus diagonales.
Grünewald, aquí, se manifiesta onírico y surrealista,
su fuente literaria ha sido la Leyenda Áurea,
y en pintura se inspiró en El Bosco y Schongauer.
La segunda tabla nos presenta
a San Antonio visitando a San Pablo Anacoreta.
El artista aprovecha la ocasión para pintarnos una sacra conversación,
tan gustadas en el momento.
Es el cuadro más atractivo de la obra pictórica de Grünewald.
La iconografía de esta composición
parece tener un significado entroncado
con los creadores del retablo.
San Antonio sería el retrato de Guido de Guersi, latino refinado,
quien inspiro la obra,
y San Pablo; Grünewald, el germano eternamente atormentado,
quien con sus pinceles y colores la ha realizado.
A confirmar esta identificación,
vienen las armas del preceptor posadas contra la roca
que sirve de apoyo a San Antonio.
Una vez más, el color caliente y matizado de Grünewald se hace luz,
y manifiesta que para el artista
el color es forma, espacio, luz y expresión.
Grünewald, a través de contrastes violentos de un estilo personal,
llega a la perfecta cohesión e identificación
entre la luz y el espacio.
Aún sus monocromos sin color, siguen siendo esencialmente luminosos.
En él, la luz se hace color.
El color, luz.